Sin ganas de más Absolutamente todo ser humano alguna vez a sentido un enorme y decepcionante vacío que le drenan las ganas de hacer aquello que más le place por más de un motivo, incluyendo el de sentirse completamente incapaz para lograr sus cometidos, no apto para cumplir con sus responsabilidades o simplemente ser completamente incomprendido por el mundo entero a su alrededor.

Más concretamente, yo he sentido todo esto, y lo que es más no hace mucho. Esta misma semana pasada he explorado, una vez más, el protagonismo de la soledad y falta de voluntad en mi drama (léase esto como drama=acción y no drama=melodrama) de mi vida. Afortunadamente no soy una de esas personas que bajo dichas circunstancias me escondo debajo de un escritorio a esperar que todo se resuelva de una u otra manera (por lo menos no por mucho tiempo), ni tampoco uno de aquellos pseudo-intelectuales que se niegan la dicha del cine ligero y comercial. Si se preguntan qué tiene que ver una cosa con la otra les diré: estas película, en su mayoría (pero no todas) repletas de mensajes de un mundo rosa y maravilloso donde la cosas se arreglan al final por sí mismas y el protagonista suele salirse con la suya porque el universo “complotea” para que así suceda están planeada única y exclusivamente para hacernos (al público) sentir bien, si no con nuestras propias vidas por lo menos con la de aquellos seres usualmente helenicamente hermosos. Ahora, no estoy diciendo que cualquiera de estos desperdicios de celuloide sea la solución para mi amargura actual, pero me complace informar que dentro de este mercado (mayoritariamente estadounidense) existen joyas maravillosas cuyos mensajes van más allá del ya mencionado, y aunque sus premisas siguen siendo un poco trilladas sí lo llenan a uno del optimismo suficiente para levantarse a hacer las cosas (muchas veces permitiéndose primero regodearse en el lecho de su dolor admitiendo antes de llegar a la victoria que el fracaso es parte del proceso) en lugar de sentarse esperando a ver si un día Dios nos hace esculturas andantes y tan suertudos como Meg Ryan en casi todas sus películas. Y aunque no afirmo que la respuesta a la depresión es sentarse frente al televisor con un litro de nieve de chocolate, sí sostengo que el vernos identificados con algunos personajes que vencen los mismos retos a los que nosotros nos enfrentamos (con escalas titanicamente menores en muchos casos) es de gran ayuda, por ejemplo: -Sentirnos solos en un mundo al que no pertenecemos para luego ver que podemos encajar si hacemos un esfuerzo por ver que en realidad no estamos solos (Sara, Jennifer Connelly, Laberinto). -Insistir que el mundo entero que conocemos está en nuestra contra y descubrir que la mejor manera de ganar la batalla es reconocer la existencia de otros mundos desconocidos para nosotros (Sam Lowry, Jonathan Pryce, Brazil). -Pensar que nuestros proyectos son irrealizables, en especial por nosotros mismos, solo para ver que aunque sí son difíciles tenemos todas las herramientas para completarlos (Julia Child, Meryl Streep, Julie Powel, Amy Adams, Julie&Julia). -Sufrir los horrores del mundo y pensar que no hay solución para ver que esta está en nosotros y que la unión hace la fuerza (Evey, Natalie Portman, V de venganza). -Opinar que no hay lugar para nosotros en el mundo y que cosas como el amor está fuera de nuestro alcance, para después ver que todo lo queríamos estuvo frente a nosotros desde el principio (Kathleen Kelly, Meg Ryan, Tienes un e-mail). -Creer que no funcionamos para aquellos con lo que soñamos para después entender que estamos hechos para cumplir nuestros sueños (Remy, ). Ejemplos hay miles. En fin, mi punto es que más de una vez la vida me ha dado de lleno en la cara, y se que no soy la única; y son estas películas uno de los tantos instrumentos que me han ayudado a levantarme de nuevo y como un repartidor de pizzas seguir adelante esperando recibir más golpes sintiéndome con las armas adecuadas para defenderme del mundo y sobrellevarlo tranquilamente. Total solo quería compartirles esto a ustedes, lectores, solo por si un día se sienten un poco mal.

El Lago de los Cisnes

Es imposible ver la última obra de Darren Aronofsky y no encontrar las múltiples analogías creadas con la pieza representada en la película.
Ahora, digo múltiples analogías y no La Analogía ya que la película tiene una historia en sí misma que se sostiene (aún si elimináramos el espectáculo montado) y gracias a la cual se debe reconocer el talento del creador y guionistas. Pero esta serie de (libres) adaptaciones que se toman de la inolvidable obra de Tchaikovsky (y con esto no solo me refiero al relato si no también a la música, que en muchos casos de la película no son las piezas originales si no adaptaciones de estas) esta historia se ve enriquecida de una manera tan pasional como las trágicas historias del ballet clásico.

Como obra individual tiene todos los logros que un director desearía para ella. Las actuaciones, no solo la de la espectacular Natalie Portman, si no también sus co-actrices Mila Kunis y Winona Ryder (que aunque hace un papel pequeño es tan sorprendente como irreconocible). La narración no suelta al espectador desde el principio, y visualmente es tan degustable como grotesca en momentos.
Pero la historia es simplemente (en mi opinión) el pez gordo del año para cualquier espectador. Tanto para amantes del ballet original como para inexpertos en el tema las semblanzas con el relato son imposibles de pasar por alto. Lo verdaderamente divino de esto es la libertad y el modernismo con las que se hacen: el Príncipe Caballeroso de caballeroso no tiene nada, y pasa disfrazado de patán durante toda la película al ojo desapercibido para descubrirse al final (aunque da pistas de ello durante todo el largo-) como un dignatario Director de Baile que busca solamente sacar lo mejor en sus alumnas; el malvado Hechicero Rothbart se camuflajea en varios personajes a la vez, la Madre sobreprotectora que transforma a su hija en un Cisne frágil y refinado, la compañera bailarina que incita al Cisne Negro dentro del Blanco a salir y conocer el mundo, el mismo Director, que a la vez de hacerla de Príncipe es él quien le da el título de Cisne a la protagonista, dando inicio así el primer giro al mecanismo imparable de la película que no puede detenerse hasta llegar a un clímax y crear su propio desenlace, y por su puesto la misma Odette, quien esconde dentro de sí al mismísimo Rothbart, que la acompaña desde la escena inicial; y por fin la Reina Cisne y su antagonista el Cisne Negro, habitando ambas dentro del mismo cuerpo que al principio pareciese tan endeble pero que termina dando cuentas del mar de locura y frenesí que residen en él.

Una cruda y pasional obra de arte que nos muestra la Vida (con v mayúscula) y sus lados más oscuros, aquellos que a veces tenemos tanto miedo de ver pero que nunca podemos ignorar.

Alguna vez escuché decir que las verdaderas historias nos enseñan a vivir, pues Aronofsky nos da una prueba de que en el cine HAY lugar para esas historias y hace todo menos errar con este, su último lanzamiento de manera tan fantástica  (léase esta palabra con la mayor ambigüedad posible) como solo de él podríamos esperar.

Una vez más, como en años pasados, su humilde servidora, atendió al pasado Festival Internacional de Cine de la ciudad de Guadalajara -FICG-, que, en este año, celebrara su muy esperada 25ava edición.

Permítanme ilustrar que tan esperada era esta entrega del muy reconocido Mayahuel de plata*… el premio honorario que cada año se entrega a un artista internacional, fue ofrecido a varias celebridades foráneas que de la manera más atenta rechazaron el premio, por lo que el premio fue otorgado durante la inauguración a un muy despistado Matt Dillon, que fue interceptado durante sus vacaciones para entregarle este premio sin darle una oportunidad de decir que no.

Por su puesto, como algunos de ustedes ya saben, el actor -que probablemente recuerden por películas como Crash, alto impacto o Loco por Mary-, olvidó de manera muy deliberada su reconocimiento en la habitación de su hotel. Si este acto fue o no una grosería de su parte es un tema aparte. Sí hubieron, sin embargo, personas mucho más agradecidas por recibir su Mayahuel, personajes como Agnes Varda (documentarista y directora de ficción reconocida inicialmente por su trabajo durante La Nueva Ola francesa de la que ya hemos hablado), quien sonaba muy emocionada por recibir lo que confundió con una palmera plateada.

La organización del festival, como en años anteriores, deja mucho que desear. Sin embargo siendo el vigésimo quinto año de esta entrega “mucho´´ se queda corto. Muchos de los actores que fungieron como presentadores pareciera que es la primera vez que leen un texto frente a alguien, aún cuando sus interpretaciones en los films participantes en el festival te deja pasmado y con las palmas rojas de tanto aplaudir. Y no se a que genio se le ocurre poner tramoya dentro del teatro anfitrión a la apertura y clausura del festival, cuando dicha tramoya impide ver a las personas sentadas en las partes del teatro, lo que ocurre en escena o en las pantallas de esta.

Pero punto y a parte de cómo se presentaron las cosas están las cosas que se presentaron.

Con las cortesías que su humilde servidora recibió por parte de su escuela por ser estudiante de cine pude acudir a dos o tres funciones por día, unas por elección propia, otras impuestas por el boleto -elegido por quien sea que repartió los boletos a los alumnos-. Sin mencionar, además, las funciones gratuitas que se proyectan en diferentes partes de la ciudad.

Tal vez viviendo en otro país diría que “a pesar de que todo lo que vi no era nacional, me gustó mucho´´ pero como todos sabemos en México (por la razón que sea, ese podrá ser tema de conversación para otro artículo) en nuestro país el cine nacional no es el predilecto. Así que diré que, contrario a lo que me ha sucedido en ediciones pasadas del festival, todo lo que vi me gustó, incluyendo todo el cine nacional que tuve al fortuna de ver. Supe de películas que tuvieron pésima crítica, estando en competencia nacional, pero parece ser que los dioses del boletaje me favorecieron mandándome a ver sólo lo bueno de lo que, con suerte, serán las películas mexicanas exhibidas el próximo año.

Entre mis favoritas de este sector les pido que vean: Las buenas hierbas (de María Novaro), y De la infancia (de Carlos Carrera). Debo advertirles, en principio, que si son de esas personas que tienen un prejuicio contra el cine mexicano lo más probable es que no les gusten, por el simple hecho de ser mexicanas, pero eso lo dejo a consideración suya. Además, como pasa con TODAS las películas, el gusto se rompe en géneros y siempre existe la posibilidad de que simplemente no les gusten las películas que a mí, en ese caso lo más probable es que les guste una de las que mencioné y la otra no, ya que entre estás películas existen diferencias enormes de género, ritmo, estilos, etc.

La primera habla de la relación entre una hija y su madre mientras la primera se encarga de la segunda por que aprende que esta tiene principios de alzheimer y decide comenzar a tratarla con las plantas que tanto utilizó su madre durante su vida siendo partidaria de la curación natural.

La segunda trata la violencia intra-familiar en las familias de clase media y baja (en especial baja) mexicanas vista desde el punto de vista de los niños. Esto mezclado con un toque fantástico manifestado por contactos sobrenaturales que tiene uno de los niños y la ávida imaginación de otro de ellos. Estas fueron las mexicanas mejores acabadas que vi, en otras palabras, las mexicanas sin fallas para mí.

Hubieron otras que me agradaron, pero no son las que que agregaría a mi videoteca. La primera, Martín al amanecer, donde me sorprendí al ver que Adal Ramones es creíble en un film serio donde tiene quien le diga que hacer (eso o el director simplemente es muy bueno tratando actores). Además están las co-producciones como Cefalópodo (mexico-española) que siempre da gusto ver.

Los largometrajes de ficción casi siempre van acompañados de cortometrajes, muchas veces mejores que las películas que estas por ver, y que en este año se lucieron. Mi favorito de este año Lupano Leyva, que les urjo a que busquen por cielo mar y tierra para que puedan disfrutar de su ingenioso guión, hermosa fotografía y post-producción llevada al extremo de lo genial.

No puedo hablar del festival sin mencionar los documentales, aunque debo admitir que no vi ni una mínima cantidad de ellos, ya que mis predilecciones me llevaron a las salas de la ficción. Pero me consta, que al igual que las ficciones, se superaron en su mayoría, al año pasado en calidad.

También están las películas extranjeras que uno siempre siente que tiene el PRIVILEGIO de ver, y digo privilegio por que muchas de estas no llegarán, o tardarán años en llegar, a nuestras salas de ver (con las mexicanas es una mezcla de fortuna y divinidad por que lamentablemente muchas de ellas NUNCA llegarán a ser exhibidas para mucho público, si es que vuelven a ser exhibidas).

Esta vez la mayoría de las extranjera que vi fueron españolas, y debo rendir mis respetos la producción de dicho país. Pero debo admitir que la película foránea más de mi gusto fue una que ni es de este año ni estaba en participación de nada. Los niños invisibles (Lisandro Duque), una película colombiana que fue proyectada en la Rambla Cataluña por Andrea Echeverri (vocalista de los Aterciopeldaos) que era la encargada del Hospicio Cabañas durante el festival como parte de su selección para la semana. Esta película del 2001 se ganó mi corazón y de todas las personas presentes en tan fantástica proyección pública.

Como conclusión les recomiendo que busquen algunas de las películas que mencioné, puede que sean de su agrado. Pero además les pido que se tomen algo de tiempo, el próximo año, y atiendan al festival. Les aseguro que no les agradará la organización, les prometo que les desesperará la actitud de cierta parte del público (sigo sorprendida por la gente que va al festival sin saber que hacen ahí), y les creo si me dicen que encontraron otra decena de cosas que les moleste, pero también es muy posible, aunque no 100% seguro, que encuentren una obra que les sorprenda, que vean algo que no esperaban y que, tal vez sólo una vez más después de esa, le den otra oportunidad al cine mexicano o al propio festival.

*Mayahuel de plata. El premio que se entrega en el festival de cien internacional de Guadalajara.

Nunca he encontrado una razón comprensible para que a la mayoría de la gente no le gusten los musicales. Si son películas que simplemente contienen canciones, no veo cual es el problema.

Muchas personas me dicen que lo que pasa es que en la vida real la gente no se para a cantar y bailar en medio de una escena verdaderamente dramática o importante, sin embargo yo les digo que en la vida real tampoco vemos a gente disparando de un carro a otro en media carretera saliendo completamente ilesas como un acto cotidiano. Lo que sucede es que nos creemos a Neo esquivando balas sin el mayor esfuerzo, por que es parte del universo ficcional que el director a planteado desde el principio de la película, y al momento de llegar la escena donde puede contra quién sabe cuantos agentes él solo, no nos parece poco verosímil.

Entonces ¿porqué hay a quienes les cuesta creer en un universo donde todas las personas en un restaurant conozcan la letra y coreografía de una canción supuestamente improvisada? Y, una pregunta más importante aún ¿por qué a nadie le cuesta trabajo creerse la escena de My best friend’s wedding (La boda de mi mejor amigo) en la que todos cantan “I say a little pray for you´´? (Esto último no tiene nada que ver con el artículo, pero en verdad me lo pregunto).

Bueno, en realidad puedo entender que muchos eviten las películas musicales por sus letras sosas y melodías predecibles, sin embargo creo que en la mayoría de los casos son prontos al juzgar. Verán, el musical es un género lleno de géneros. Existen diversos tipos de musicales, en cuanto a estilo y a tema.

¿A qué me refiero? No en todos los musicales los amantes se ponen a cantar debajo de la lluvia declarándose su amor en el momento menos inapropiado, y hay musicales en donde de verdad existe, de manera verosímil, una razón para cantar.

Creo que si se les diera una pequeña oportunidad algunas personas encontrarían que hay un par de musicales de su agrado en este vasto mundo melodioso. En realidad no espero que después de leer esto corran a buscar todos los que voy a mencionar, pero espero despertar la curiosidad de más de un lector no amante de los musicales y apelar a su lado cinéfilo para darle una segunda oportunidad a una de esas películas donde nadie deja de cantar; además espero esto el sirva a algún amante de este género teatral tan amablemente adoptado por el celuloide para conocer un par de historias nuevas.

Mucha gente no sabe esto, pero una gran cantidad de películas infantiles son consideradas musicales. Simplemente ¿cuántas películas para niños no tienen una inmensa cantidad de canciones para entretener a los jóvenes espectadores? En realidad casi todas las de Disney, en especial sus clásicos: La Sirenita, La Bella y la Bestia, Aladdín, etc. Incluso películas consideradas de culto como The Nightmare Before Christmas (El Extraño Mundo de Jack).

Hay un tipo de musical de lo más extraño, y es en el que los personajes nunca cantan. Una de estas películas es American Grafitti de George Lucas, que es considerada musical (por algunos) por que durante toda la película la música diegética* nunca deja de sonar, más que en un par de momentos sumamente dramáticos.

Existen musicales que no destacan por sus canciones, no por que no sean buenas, si no por que lo más espectacular que tienen es el baile o el show montado alrededor de la pieza. Chicago, por ejemplo, basa la mayoría de sus canciones en un número que saca al espectador de la realidad de la película para llevarlo a un mundo donde todo es un espectáculo de tipo cabaretero. Otro ejemplo es Moulin Rouge (Amor en rojo) que visualmente es tan atractiva, con toda esa genialidad de Baz Luhrman que en momentos no permite distinguir la realidad de la fantasía, que hace que uno pase por obviedad las canciones para preocuparse por los detalles de los colores o el arte de la escena.

Una característica importante de este musical es que todas sus canciones (menos una) son tonadas conocidas por la mayoría de los espectadores, ya que Luhrman decidió juntar piezas famosas de la música moderna popular y armar una historia moderna con ellas, por lo que podemos escuchar canciones de artistas de la talla de David Bowie, Kiss, Elton John, entre otros.

Si existen, sin embargo, películas en las que de verdad los persones nunca dejen de cantar. Estas son las más difíciles de digerir, en especial para el público no adepto a esté genero cinematográfico. Sin embargo me gustaría distinguir dos tipos de musicales dentro de este tipo de musicales:

Uno de ellos es en el que los personajes cantan las palabras de vez en cuando, pero se comunican por acciones en su mayoría hasta que llegan a un punto importante de la historia en donde se lleva a cabo un número musical real con coros, bailes, etc. Como Rent, uno de los tantos musicales del teatro llevados a la pantalla (en este caso en específico creo que funciona mejor en el cine que en el escenario, ya que la narrativa del cine ayuda a que se vuelva más comprensible la acción de la escena a diferencia del teatro donde como todo sucede en un mismo lugar físico hay que dividirlo imaginariamente como espectador mientras sigues la tonada de dos o tres personajes que suponen estar en dos o tres locaciones diferentes en el mismo escenario).

Otro tipo es en el que los personajes cantan o tararean todo lo que piensan, dicen o sienten en una suerte de melodías mezcladas (por lo general cada personaje tiene su melodía por conversación, pero también se da el caso, en especial en escenas importantes, en que compartan la misma melodía) sin llegar jamás a cantar una canción. No hay coros, o espectáculos, solo diferentes tonadas. Este, creo yo, es el musical más difícil de ver. El más conocido es Le parapluie de Cherbourg (Los paraguas de Cherbourgo), que créanlo o no es uno de los grandes clásicos de la Nueva Ola Francesa**.

No voy a desmentir a los escépticos del género que dicen que en estas películas sólo se ponen a cantar sin ningún motivo. Si las hay, y son la mayoría. Sin embargo muchas de estas se han convertido en verdaderos clásicos, tanto como musicales así como películas.

Una de mis favoritas en My fair lady (Mi bella dama) en la que en efecto, los personajes solo deciden empezar una canción cada vez que sienten las ganas de expresar sus emociones y le cantan al aire como si a este le interesara lo que tienen que decir. Sin embargo otro musical que comparte esta característica es uno de los más vistos, e, irónicamente, uno de los más aceptados, incluso por las mismas personas que repudian los musicales: The sound of music (La novicia rebelde), que, en realidad no me disgusta, pero si me parece uno de los musicales más ridículos en canciones y motivos para cantarlas.

No los habré desmentido, pero tampoco les daré la razón. En una película musical existen numerosas razones por las que un personaje se ponga a cantar, y a veces tiene que ver con la logística de la película. Por ejemplo, un personaje puede cambiar su modo de hablar a cantar para contar una historia, como en Man of  la Mancha (El hombre de la Mancha) que cuenta la historia de Don Miguel de Cervantes durante su tiempo en la cárcel. Cervantes le cuenta a los presos la historia que está escribiendo de Don Quijote, y cada vez que les cuenta un relato nuevo del personaje se pone a cantar para dividir una realidad de otra. Una razón distinta puede ser diferenciar tiempo real de pasado, como en A chorus line donde vemos a un grupo de bailarines en una audición, y cada vez que entrevistan a uno sobre su pasado, éste canta su historia.

Una razón aún más valida para cantar es el siguiente tipo de musical, donde las canciones son en realidad canciones dentro de la historia. Esto funciona como en Cabaret, uno de los mayores éxitos de Bob Fosse y además una de esas películas que todo teórico dirá que hay que ver antes de morir. La historia se lleva a cabo en un cabaret, donde hay números musicales que cantan los personajes como parte del espectáculo, solo que estos números suelen coincidir en tema con lo que el personaje esté viviendo en esos momentos.

Hay otros musicales que suelen no desagradar tanto al público en general, por más que estén repletos de canciones, y esto suele ser por el tema. Cuando los musicales tienen un tema oscuro tratado como comedia o de manera cruda el público parece encontrarlos entretenidos y pasa de lado las canciones, ya sea sólo por que la película les gusta mucho o por que la comicidad del tema les ayuda a tomar las canciones como una burla al mismo tema tratado. Las más reconocidas de estas podrían ser Little shop of horrors (La tiendita del horror), donde una planta carnívora comienza a comerse a los conocidos de su dueño, The Rocky horror picture show (El show de terror de Rocky), donde travestis del espacio hacen de las suyas en nuestro planeta, y Sweeney Todd (El barbero demoniaco de la calle fleet), que podría no parecer comedia, pero la manera en la que tratan el asesinato es en verdad más chistoso que otra cosa, en especial por la seriedad (o falta de ella, en realidad) con la que los personajes lo cometen.

El último tipo de musical que me gustaría recomendarles son esos musicales que se burlan de sí mismos por ser musicales. Mamma mia fue llevado a la pantalla con un tono tan ligero que se puede ver en las mismas actuaciones que nadie, ni siquiera los personajes, se están tomando su situación en serio, y llevan esto de una manera risible con una canción, y no sólo eso, si no con una canción del conocido grupo Abba.

Como ve hay musicales de todo tipo para todo público. Los invito a que den una pequeña búsqueda a ver si encuentran cual es el suyo.

*Cuya fuente está en pantalla. Ej.: la radio del auto que conduce el protagonista suena con la canción que el público escucha.
**Nueva Ola Francesa: movimiento cinematográfico francés de los años 60.

N.E. también es altamente recomedable Across the universe, en el que se utiliza la música de los Beattles para realizar los diálogos, e incluso hay una especie de fantasía, en que hubiera pasado si Jimmi Hendrix y Janes Joplin se hubieran conocido y enamorado.

Desde el principio de su existencia el cine a recurrido a la literatura como fuente de inspiración. Muchas de las grandes historias de la gran pantalla han surgido de las páginas de grandes clásicos o best sellers.

Sin embargo el cine tiene otro poder en cuanto a literatura se trata, y es el de transformar en realidad no solo los mundos sobre los que leemos si no a los protagonistas de nuestras historias favoritas.

En más de una ocasión hemos visto a personajes sobre los cuales hemos leído caracterizados en pantalla ambientados en su propio mundo donde siempre han existido y forman parte de la realidad. Pero ¿qué tal cuando los vemos como parte de una realidad a la cual no pertenecen? Me explico. El cine a logrado volver verdaderos a los personajes de los libros, siendo estos conocidos en el contexto de la película como personajes de libros.

Tal es el caso de The league of extraordinary gentlemen (La liga extraordinaria) donde se juntan figuras literarias de la talla de Allan Quartermain (“Las minas del Rey Salomón”), Mina Harker (“Drácula”) y el Capitán Nemo (“20,000 leguas de viaje submarino”). En realidad en la película no son tratados como personajes ficticios, pero sí se menciona el hecho de su importancia como héroes o protagonistas en sucesos extraordinarios (sucesos que a fin de cuentas solo pudieron haber sucedido en las historias más fantásticas).

Más acertadamente podría hablar de The Pagemaster (El guardián de las palabras). Que es la historia de un niño que al perderse en una biblioteca no le queda otra opción que enfrentarse a todos sus miedos pasando por las diferentes secciones de literatura (fantasía, aventura y horror) a través de las cuales va conociendo a los personajes más clásicos como Moby Dick (“Moby Dick” ), el Dr. Jeckyll y el Sr. Hyde (“El misterioso caso del Dr. Jeckyll y el Sr. Hyde”) y Long John Sylver (“La isla del tesoro”).

Esta sería la película que mejor explicaría a lo que me refiero con que ”el cine vuelve verdaderos a los personajes de los libros”.

Sin embargo, como ocurre con todos los temas del cine, ha tenido diferentes maneras de hacerlo. Ya vimos una, que es simplemente volver parte de la realidad personajes de los grandes clásicos. Pero otra manera es volver reales a personajes de un libro que sólo existe en la realidad de la película misma.

Inkheart (Corazón de tinta) cuenta la historia de un cuentacuentos lo suficientemente poderoso como para extraer a los personajes de las historias que lee, sin embargo al sacar algo de ese mundo ficcional algo de su mundo real pasa a ser parte del otro. La trama se da cuando los personajes traídos a nuestro mundo comienzan a ser de las suyas mientras que su esposa se encuentra varada en el libro que leyó.

Se han hecho cosas más interesantes. ¿Cuántas veces no soñaron con que el mundo sobre el cual leían fuese en realidad uno existente?

El universo ficcional ES si le permitimos que sea. Eso es lo que aprendieron los personajes de Labyrinth (Laberinto) y Neverend Story ( La historia sin fin).

La primera película trata de una chica que desea con todas su fuerzas que su libro favorito fuese real y pudiera convertirse en parte de él, sin embargo cuando sus deseos son concedidos por el Rey del Laberinto termina transformándose en cautiva de este lugar al cual tiene que encontrarle una solución para poder escapar.

La segunda es la escapatoria de un niño atrapado en el ático de su escuela que se distrae con un libro para olvidarse de la situación en la que está metido. Pero mientras transcurre la historia (que el chico lee) se da cuenta no solo de que es real, si no que sucede al tiempo que él la lee. No tarda en descubrir que la dinámica va más allá de esto y que tiene que volverse partícipe de los eventos que transcurren para poder salvar a los personajes de los cuales ya está enamorado.

Por su puesto hubo quienes no tardaron en darse cuenta que podían contar la historia al revés, donde los personajes primero existen como reales para luego darse cuenta de su propia ficcionalidad al solo ser parte de una obra literaria.

El primer caso sería El mundo de Sofía. En cuanto Sofía entiende que no es más que un personaje decide encontrar la salida de la historia antes de que esta termine, por miedo a dejar de existir cuando esto suceda, pero ¿deja de existir un personaje sólo por que la historia termine?

En Stranger than fiction (Más extraño que la ficción) hay una variante que encuentro sublime. La película trata de un hombre común y corriente que aprende que no es otra cosa que el personaje principal de una novela que inevitablemente terminará en tragedia, entonces su cometido no es salir de la historia, dado que entiende que esto es inconcebible (no puede dejar de ser en su propia historia que el fin y al cabo no es otra cosa que su propia vida), si no trascender su mediocridad como simple personaje de dicha novela.

Lo interesante de estas dos películas es la vuelta que le dan a la tortilla: ”la realidad vuelta ficción” o ”la ficción entendiendo su naturaleza ficticia”. (¿Fui yo la única en crecer pensando en la posibilidad de ser parte de una historia escrita o pensada por un ser superiormente real que en algún punto podía encontrar su resolución?)

A fin de cuentas el mismo cine nos dice con palabras claras lo que estas películas nos quieren decir. Es tan sencillo como recordar las palabras de Tully Alford (La Familia Addams) antes de ser succionado por un huracán salido de las páginas de un libro: ”Cuidado Lucas, no es solo literatura”.

Los Globos de Oro, un premio entregado por el periodismo de E.U.A. tanto a la pantalla grande como a la chica tiene nada menos que catorce categorías dedicadas solamente al celuloide. Este premio suele estar directamente relacionado con los posibles ganadores de la estatuilla de oro* que se entrega en marzo de cada año.

Hay dos cuestiones en cuanto a este premio en las que no puedo evitar pensar cada vez que un actor, músico, director o guionista sube a escenario a recibir su reconocimiento, y son las siguientes:

¿En qué, exactamente se basan para decidir que película o actor merece el premio antes que otro?

Sí, verdaderamente las categorías podrían parecer más sencillas que aquellas del premio de la academia, ya que este premio tiene la sensibilidad de separar el premio a la mejor comedia/musical de del drama. Sin embargo esto no me saca de la duda de como pudo haber ganado Avatar de James Cameron por sobre Inglorious Basterds (Bastardos sin Gloria) de Quentin Tarantino.

Ahora, no estoy diciendo que Avatar haya sido de mala, para nada. En realidad es una película que fue cien por ciento de mi agrado, sin embargo no puedo dejo de hacer el mismo comentario cuando me preguntan mi opinión sobre ella: ”técnicamente es una película impecable, eso que ni que, y me parece fantástico que siendo una película en la que por el simple tema sabes que va a seguir a lo que estas viendo no dejes de estar prensado del asiento, pero no deja de ser Pocahontas contada del punto de vista de John Smith´´.

Insisto, no tengo nada contra la película, pero en verdad no tuvo nada nuevo que CONTARNOS (aunque aún así nos mantuvo cautivos durante la proyección, por lo menos a la mayoría de nosotros), y subrayo esta palabra por que si bien no nos dijo nada novedoso nos mostró un centenar de maravillas que jamás hubiésemos conocido de no haber sido por la ambición de su director que no se permitió realizar este guión en los 90 cuando no existía la suficiente tecnología para lograr lo que tenía en mente. Pero en realidad ese es el más grande mérito de la película, sus efectos visuales, irreprochable, pero cierto.

En lo personal cuando voy al cine me siento más convencida por una historia (bien contada) con la mínima cantidad de efectos cuya pura línea narrativa me mantenga cautiva o sorprendida que por algo que solo me emocionará por un novedoso efecto especial.

Creo que Bastardos sin Gloria cumple con ese cometido (pensando en que en comparación con Avatar sus efectos pueden ser vistos como mínimos). Me parece una película impecable con una historia magnífica, una realización grandiosa y ni se hable de las actuaciones.

No comprendo que es lo que buscaban aquellas personas encargadas de señalar al ganador que pudieron haber visto en una y no en la otra.

Un segundo punto

Mi segundo punto no tiene nada que ver con la decisión de quien se lleva a casa un premio y quien se queda con las manos vacías y una falsa sonrisa en pantalla (no comprendo por que en todos estos premios insisten en grabar a los no ganadores después de anunciado el premio). Una de las cosas que me inquieta al ver esta transmisión año tras año es: ¿cómo se supone que voy a saber cual de las 5 películas es la mejor si solo he visto dos? Ahora, esto no es (en su mayoría) por falta de ganas de ver las cintas, si no por la falta de velocidad de las distribuidoras que simplemente tardan MESES en entregarnos las cintas. En realidad la mitad del evento nos pasa desapercibido en este lado de la frontera ya que solo conocemos a una parte de los competidores**.

Creo que las distribuidoras podrían tomar eso en cuenta (los premios que es un hecho que la gente en general ve) cuando deciden las fechas de lanzamiento.

Entiendo el punto con lagunas de estas cintas, que es promocionarlas como las ganadoras o nominadas a tal o cual cosa, pero de este modo no sabemos, como espectadores, que clase de decisión justa o injusta se está tomando del otro lado de la pantalla.

Se que puede parecer una bobería, pero es algo que siempre me ha molestado al ver este evento anual, sin embargo estas cuestiones me impiden disfrutar de la vanagloria del ganador al dar si discurso de agradecimiento. Supongo que lo más frustrante es que en realidad son detalles que nunca serán resueltos, o eso creo.

*Premio de la Academia, conocido como Oscar.
**Con los competidores me refiero a las filmes competidores, no a las personas competidoras, que en general son conocidas a pesar no haber visto la cinta con la que participan.

Tribal Chicano #2 por Stayreo

Desde hace tiempo que en nuestro vecino del norte se desarrolla una cultura desprendida de la nuestra, la cultura Chicana. Es una cultura formada por los vestigios de la cultura madre en la memoria de los emigrantes de este país ahora residentes del otro. No se puede decir que sea una cultura mexicana en su totalidad ya que hay costumbres deformadas por la lejanía de su realidad o la cercanía con una realidad nueva.

Esta cultura, como todas las demás, tiene su propio arte y formas de expresión, uno de los cuales en el que, a mi parecer, se ha destacado, es el cine.

El cine en general no es un arte viejo, y el que navega bajo la bandera de aquellos del otro lado de la frontera tiene todavía menos tiempo de existir, sin embargo para el tiempo que se lleva haciendo cine de este tipo (y teniendo en cuenta que hablamos de una cultura sin residencia real) el cine que se ha hecho es en realidad copioso.

Uno de los temas a tratar en este cine es el da vida de un grupo de muchachos intentando formarse en un ambiente hostil en las calles. En realidad no se aleja mucho de la idea de cine de los barrios aquí en México, sin embargo tiene cosas lo diferencian del mismo, uno de los cuales sería el idioma que se utiliza en estas películas: el spanglish.

Pasa seguido que al ser cine hecho en los Estados Unidos más de un actor con todo y su pinta latina no hablan ni jota de español y por lo mismo tanto su spanglish como su desempeño en las escenas con diálogos en español se ven afectados.

Por el contrario hay actores que al estar orgullosos de la mexicaneidad que se arrastra en su familia desde sus antepasados que cruzaron (tanto legal como ilegalmente) pero estar concientes de la realidad de su contexto dominan a la perfección los dos idiomas bases para el slang de las calles angelinas*.

Es curioso que suele suceder que en una misma película se pueden ver abundancias de ambos casos. Como podría ejemplificarse en Sangre por sangre (Blood in, blood out). Donde de los tres personajes principales, dos no entienden una palabra de español (aunque para el caso, uno de ellos lo pronuncia bastante bien) y otro inclusive dobló su voz para la versión en español (como pasó con muchos de los personajes secundarios de la misma película).

Pero el lenguaje no es la única característica de esta cultura que nos enseñan en su cine. Incluso nos han llegado a mostrar su vida nocturna en todo su esplendor, que al llevarse a cabo en salones de baile no se pudo llevar a la pantalla de mejor manera que con un musical. Fiebre latina (Zoot suit) tiene todos los elementos, los muchachos enfrentándose a problemas de identidad, el argot y la música (acompañada de una característica forma de vestir y bailar).

Por otro lado tenemos el cine para las grandes masas (o cine comercial) en que pueden, por ejemplo, describirnos la vida uno de sus granes íconos. Selena logra esto a la perfección, al punto de lograr una buena actuación de Jenifer Lopez (uno de los grandes logros de la película). Lo interesante de ver casos como este es ver la cultura entera a través de un solo exponente, y creo que en este caso si se logra, aunque este personaje en particular no haya llevado una vida como al de cualquier otro chicano, si no todo lo contrario.

Sin embargo la cosmovisión de esta cultura sí llega a transmitirse por medio de esta cinta, como en los otros dos casos mencionados. Creo que eso es lo que busca (y de hecho logra) el cine Chicano: mostrarnos su realidad, su manera de pensar y sus razones para actuar o reaccionar de cierta manera.
No puedo pensar en un cine que se preocupe más por intentar ser entendido por el resto del mundo, por explicarse ante los demás exponiéndose tal y como son, con lo duro y lo blando. Eso es lo que admiro del cine Chicano, su audacia para ser quien es frente a la gente, sin temor a la crítica pero buscando una pizca de simpatía por todo el quien lo ve.

Si hay algo que me puede molestar en una película es que no esté realizada en el idioma en el que debe estar hablada. Ahora, que si es verdad que una historia funciona en cualquier idioma no creo que esto aplique en todos los casos. Por ejemplo: La Misión, película de la época colonial llevada a cabo en Argentina, hablada en inglés. Se puede entender que esta película no este hablada en español por que la producción es americana (por no decir gringa) y sus actores siendo de la misma nacionalidad no dominan el idioma (a excepción de Jeremy Irons de origen británico, que si bien no habla español tiene líneas en guaraní*). Ahora, no es tan molesto que esta película no esté en el idioma que la historia parece demandar por que está contextualizada en una época anterior, donde, para empezar, el español ni siquiera es el mismo que se habla hoy en día, y no cuenta la historia de ningún personaje real (aunque sí habla de hechos históricos) que debiera hallarse en su idioma original.

Ahora, no es el caso de Amor en los tiempos del cólera, que en realidad ni siquiera lleva este título originalmente, si no el de   Love in the times of colera. También situada en la época colonial, pero está vez en Colombia. ¿Cuál es la diferencia entre estás películas? ¿Qué situación las hace distintas a mi parecer? Pues, para empezar, está película esta basada en una novela latinoamericana que refleja un momento histórico importante, y que como tal, se ha convertido en una de las piezas de literatura latinoamericana más importantes.

Hay otras películas también están basadas en novelas, y a pesar de que no estén habladas en el idioma en que la historia fue concebida, siguen siendo irreprochables, tal es el caso, creo, de Dangerous Liasons, la versión con John Malkovich y Glenn Close. Esta película no prende ser más de lo que es, ya que, siendo producción gabacha (empezamos a ver un patrón sobre quienes no aprender a hablar en otros idiomas) acepta su falta de elementos para hacer esta película en francés y simplemente la sitúan en Francia.

En Love in the times of colera no operan de la misma manera, deciden, para “hacer la película más cercana al libro´´, usar actores latinos como personajes principales, la mayoría de los cuales dominan al 100% el español, pero creen que es buena idea de cualquier manera hacerlos parlotear en inglés todas esas líneas que  tan exquisitamente habían sido escritas en lengua romance.

Entonces va por ahí, la respuesta sobre que películas deben de estar en algún idioma o no, y en cuales se respeta la decisión de dejarlas en el idioma de la producción y no de la historia o el setting** original.

Otra película que a mí me parece infame por el hecho de que esté hablada en inglés, es la tan bien realizada Frida, de July Taymor, con Salma Hayek como la misma Frida. Una vez más actores latinos hablando inglés sólo por que pueden, aunque para hacerle justicia a la decisión de los productores, en este caso no todos los actores dominaban el español. Sin embargo si es bastante atroz hacer la biografía da un personaje tan reconocido en el idioma equivocado, aunque en el caso de esta película en particular no se si me gustan o me disgustan todos esos detalles tan mexicanos y en español (como es la aparición de cantantes mexicanos reconocidos, o apodos y frases coloquiales en español) aunque la película no este en nuestro idioma. Pero a pesar de todo es una película que debo recocer como sublime hablando estrictamente de su realización.

Entiendo por que los productores deciden en la mayoría de los casos hacer la película en el idioma de la producción que la realiza, es más sencillo por un sin fin de razones. Pero creo firmemente que a pesar de estas complicaciones se pueden lograr cosas magníficas con un poquito más de esfuerzo por parte tanto de la producción como del director. Esta no es una teoría mía por probar, si no algo que he visto en mas de un caso. Bernardo Bertolucci nos muestra lo cierto que es esto en la mayoría de sus películas, por ejemplo The Dreamers (Los Soñadores) y Stealing Beauty (Belleza Robada) se llevan a cabo en distintos países de Europa, y siendo el personaje principal americano en ambos casos, las películas están hablada en diferentes idiomas según lo amerite la circunstancia, y no por que hablen de un personaje histórico importante o de un momento clave para la humanidad, si no simplemente por que es el idioma en el que se hablaría en esa situación. Y ni se diga de una de sus obras maestras The last emperor (El último emperador), que cuenta la historia del último emperador de China a pesar de ser producción americana, como las otras películas mencionadas, está hablada en el idioma del país.

Ahora hay casos donde el idioma puede ser más pretensión que herramienta, me atrevo a mencionar Apocalypto de Mel Gibson, donde intentó darle un toque históricamente correcto haciendo a los personajes hablar la lengua Maya. El error ahí, según las personas que aún dominan la lengua, fue pensar que solo por que el común denominador de la gente no lo habla estaba bien dejar que sus actores lo balbucearan incomprensiblemente. Sin mencionar, por su puesto, su tino en poner a un indígena yaqui representando al personaje maya principal (no quiero ni abordar lo ofensivo que eso me parece).

Por último dejo como conclusión que, aunque el maestro Bertolucci diga que solo se puede hablar de cine en francés, ya que este es el idioma de este arte, no pienso que todas las películas tienen un idioma en el que necesariamente deben estar habladas, solo que la historia o la situación lo amerite, pero si existen casos donde no estaría de más incorporar el idioma base de la historia como parte de la ambientación de la película, y más aún, casos donde casi parece errado no hacerlo.

*Guaraní: lengua de los indígenas de la región Argentina-paraguaya, conquistados por los españoles y portugueses.
**Setting: lugar y/o tiempo donde se lleva a cabo la historia.

En los últimos años PARECE (y subrayo esta palabra) haber comenzado una tendencia por usar en las películas, sobre todo en las independientes, lo que se conoce como “no actores”. Esto son personas que no se dedican a la actuación, que ni siquiera han tenido un entrenamiento actoral, pero que bajo la dirección de alguien hacen un papel frente a la cámara.

Ahora ¿por qué mi afán en denotar la palabra “parece”? La verdad es que no es algo nuevo, por lo que no es algo que esté comenzado. La utilización de los no actores (disculparán el término utilización, pero es el que se usa, no estoy, bajo ninguna manera, cosificando a nadie) existe desde los principios del cine, cuando los hermanos Lumiere grababan pequeñas historias creadas por ellos mismos en las que solo veías una situación cotidiana ocurrir. Realmente no creo que podamos hablar de los no actores ahí, a que a nadie se le había ocurrido usar actores en ese entonces, pero era porque el cine todavía no había sido concebido como tal.

Pero en realidad el auge de los no actores se da después de la Segunda Guerra Mundial, en el Neorrealismo Italiano*. Ya que uno de los objetivos de este movimiento era captar la esencia pura de los personajes, los directores creían que era más sencillo lograr una emoción pura frente a una cámara para una persona que no estuviera contaminada por las mañas de la actuación, que para un actor. Así que la gran mayoría de los directores decidieron trabajar para la mayoría de los papeles en la mayoría de sus películas, con gente que no estaba acostumbrada al medio. Tal es el caso de la famosa “Ladrón de bicicletas”.

Aunque no es algo novedoso es verdad que en los últimos años se ha puesto de moda, y ya no es un fenómeno que ocurra solamente en las películas undergorund, aunque ahí es donde se presencia más.

Los actores, por su puesto, argumentan que es una tontería esto de usar no actores, por que no pueden ser igual de naturales por que no han recibido un entrenamiento; mientras que el argumento de las personas a las que le gusta trabajar con los no actores (refirámonos a ellos como los directores) es que pueden ser naturales por no haber recibido dicho entrenamiento.

Ahora, desde mi punto de vista ambos argumentos son válidos. Por el lado de los actores, es verdad que al haber recibido un entrenamiento  (y con un poquito de talento) puedes generar una emoción que no sólo parezca, que sea genuina, mientras que los directores tienen razón en decir que una persona no contaminada puede generar una emoción igual de genuina o más, ojo, mientras sea bien dirigida.

Hay actores, los buenos con experiencia (creo que esto se trata más de la experiencia que del talento) que no necesitan de un buen director para dar una interpretación aceptable. Tal es el caso de Dustin Hoffman, quien no importa en que película salga, su personaje siempre nos sorprenderá. Hay actores que siendo novatos, por más buenos que sean, necesitan que los lideren dentro del set, esto no tiene nada de malo, después de todo esa es la labor del Director.

Yo diría que esta es la ventaja de los actores sobre los no actores, ya que con unos puedes necesitar dirección, pero el actor debe de tener una idea de que es lo que se le pide, y solo necesita que le muestren el camino. Mientras que en el otro caso es un hecho que se necesita un buen director para sacar, no solo lo mejor, sino algo creíble de ellos; no solo necesitan que les muestren el camino, también que los lleven de la mano, esto tampoco tiene nada de malo, es normal que alguien sin experiencia se encuentre un poco perdido y sin dirección.

Claro que se pueden sacar actuación creíbles de no actores, como ya dije, con muy buena dirección, tal es el caso de “Los Olvidados” de Luis Buñuel, donde las actuaciones son conmovedoras, y el mérito no solo es por lograr buenas actuaciones de no actores, si no por un reto aún mayor, lograr buenas actuaciones de no actores niños.

Otra película con excelente actuaciones de no actores, y mi favorita, debo agregar, es “Shortbus: la última parada´´ de John Cameron. Donde hay tal cantidad de personajes, y ninguno decepcionante. Además de que la película trata un tema fuerte, por el cual es bastante increíble que los performances hayan sido tan naturales.

Por supuesto, también hay películas que destacan por su error al decidir no trabajar con actores entrenados, y no necesariamente por que el Director sea un mal director, si no por que su experiencia no es que le sirva para lograr un buen trabajo en estar condiciones (con experiencia no me refiero a lo largo de su trayectoria, si no a al dirección de esta). El caso que pondré a ejemplo es el de “Gran Torino” de Clint Eastwood, la cuál me pareció una lástima pensando que es la retirada de este gran ícono del cine, y que a mi parecer se nota demasiado incompleta por su falta de credibilidad actoral.

Yo siempre he sido fan de los actores, y votaría por ellos a menos que se convenza de lo contrario. Aun así no puedo dejar de admitir la genialidad que han tenido algunos directores al trabajar con gente fuera del medio, por lo que no debo de descartar esta como una posibilidad.

*Neorrealismo Italiano, movimiento cinematográfico en Italia después de la Segunda Guerra Mundial, donde las historias trataban casi siempre de la desesperanza del pueblo por la depresión tanto económica como social, intentando darles un giro final para mostrar que aún tenían razón de seguir adelante. Se filmaba en las calles y se trabajaba en su mayoría con no actores.

Para los que no saben Noche Americana es, sin lugar a duda, una de las mejores películas de la nueva ola francesa* y definitivamente LA película que todo estudiante de cine tiene que ver.

Dirigida y escrita por François Truffaut la película trata del rodaje (o filmación) de una película a mediados de los 70. La película cuenta, a ciencia cierta, cómo es y lo que implica la producción de una película, y la semana pasada lo viví en carne propia.

Nunca había estado involucrada en una producción (por más pequeña que haya sido) tan completa como esta, con completa me refiero a que tuviera a la suficiente gente para completar todos los puestos requeridos. Sabiamente un profesor decidió ponernos la película mencionada antes de los días de rodaje, para darnos una idea de los problemas que se pueden llegar a tener, y vaya que son inevitables. Desde problemas con el equipo (como que se te acabe la batería de la cámara en las profundidades de la barranca de Huentitán), la falta de comida (por que el productor fue detenido por el tráfico de las fiestas de octubre) o que un actor se encuentre inesperadamente indispuesto (en el caso de la película por su muerte, en caso de nuestra producción por dengue), todo esto ocurre y tienes que aprender a solucionarlo en el momento; y eso sin mencionar los problemas o roces entre egos y gente sensible.

A la mitad de la producción cuando eres Asistente de Director (lo que quiere decir que eres el que mangonea a todo el mundo para que las cosas salgan a tiempo y bien, mi puesto por cierto) puedes ser tanto el héroe por resolver un problema o (en un día tenso) el villano a quien todo el mundo detesta por obvias razones. Es entonces cuando no entiendes por que en los extras de los DVDs todo el mundo habla tan campantemente de cómo les encanta hacer películas.

A los actores puedes amarlos cuando dan la interpretación que el director buscaba en la primera toma, o puedes odiarlos cuando no pueden seguir simples indicaciones por que el sol los tiene fuera de sí, aunque tu les estés deteniendo una sombrilla mientras sientes como tu piel se quema por que el departamento de producción olvidó el bloqueador (mentalmente te hincas y das gracias al cielo de que no olvidaron el repelente).

Por las noches de producción (si es una con fallas, como suele la primera que haces) te cuestionas todo en tu futuro. Los días buenos encuentras recompensas en todo, los días malos dudas de tu vocación.

Entonces al final del día más pesado de la producción, después de consolar al Director que llora de rabia y frustración, fuera del set te llaman para rodar el último plano, que arte preparaba maquillando a la actriz que sale de aparición y cuando entras al set te das cuenta de porque haces lo que haces. Todos en el set están en posición, el fotógrafo babea mientras acomoda la cámara por que hay un millón de formas de hacer relucir este plano, el director sonríe viendo el monitor y la actriz, frente a la cámara, con el maquillaje más fantástico que habías visto en una producción de este nivel. Te asomas al monitor y vez el sueño de una persona (el Director y Guionista) vuelto realidad.

Ahí es donde nada de lo anterior es importante, solo este momento, en donde se crea la magia de la que tanto habías escuchado hablar, y sabes que si al final te preguntaran, sin duda alguna, lo harías otra vez.

*Movimiento de cine iniciado en los años 50 en Francia.