El imaginario mundo del Doctor Parnassus (The Imaginarium of Doctor Parnassus)
Inglaterra, Estados Unidos, Canadá, Francia  (2009)

Dirección: Terry Gilliam

Guión: Terry Gilliam, Charles McKeown

Música: Jeff Danna, Mychael Danna

Montaje: Mick Audsley

Reparto: Christopher Plummer, Heath Ledger, Tom Waits, Lily Cole, Andrew Garfield, Johnny Depp, Jude Law, Collin Farrell, Verne Troyer

En estos días pre-mundialistas en donde todo México se pre-ocupa de los posibles resultados de la selección en Sudáfrica, en lugar de ocuparse en generar ese ambiente de confianza que nos haga visualizarnos como auténticos ganadores.

En mi opinión y corta experiencia, los acontecimientos que ocurren en nuestra vida son producto de nuestros propios pensamientos, de esta forma la “realidad” actúa como un espejo de nuestro espíritu, y aquello que nosotros llamamos “realidad”, no es más que la proyección del conjunto de nuestras experiencias previas, por ello es que lo que se observa en un deporte seguido por millones de espectadores en nuestro país como lo es el futbol, es un reflejo del pensamiento de muchos mexicanos; esto es exponencial, y en la medida en la que dichos pensamientos vayan cambiando, estos irán sumándose.

En resumen, los jugadores de la selección mexicana son una extensión de la mente colectiva de nuestro país, si nosotros, desde nuestra mente creemos que nos irá bien, no nos amedrentamos ante selecciones llamadas “potencias” (que se han convertido en potencias por la conjunción del pensamiento colectivo de sus países, así como de gente del resto del mundo que les otorga ese poderío), si cada vez que se cobre un penal, en la mente del espectador que esta a miles de kilómetros del jugador se tiene la convicción de que será gol, las distancias poco importan, estamos conectados a la misma mente colectiva, los partidos no se comienzan ganando con el primer gol, los partidos se empiezan ganando desde la mente (del jugador, del director técnico, y sobre todo, del aficionado que deposita su fe). Hay futbol, hay aficionados que apoyan con el corazón, lo único que falta…. CREERLO.

Después de este rollo futbolero, seguramente se preguntarán qué tendrá que ver mi columna cinetera con el balompié, y la respuesta viene dada por la película que les recomiendo en esta ocasión, que sin lugar a dudas, es una verdadera película iniciática.

Estoy hablando de la más reciente realización de Terry Gilliam, este peculiar director inglés salido del grupo cómico-surrealista Monty Phyton, y quien ha dirigido películas como Brasil y Fear and Loathing in Las Vegas (Pavor y repugnancia en Las Vegas).

El Imaginario del Doctor Parnassus fue conocida previamente a su lanzamiento en salas debido a que quedó truncada a la mitad de su filmación por la inesperada muerte de Heath Ledger, este joven actor quien encarnaba a Tony, uno de los personajes principales de esta historia.

Después de su muerte, en el 2008, Terry Gilliam había tomado la decisión de abandonar el proyecto, pero unos meses más tarde prefirió reevaluar la continuidad narrativa de la historia y adecuarla a la conversión física del personaje principal; y es así como Johnny Depp, Jude Law y Collin Farrell se integran al proyecto e interpretan el mismo papel que Ledger (Tony). De esta forma, una vez terminada la filmación, este trío de actores decide ceder sus ganancias para la hija del actor fallecido.

En cuanto a la historia de este filme, es iniciática por el uso de la simbología universal, pero sobre todo de la escuela iniciática occidental, por ello no me causaría extrañeza enterarme de que Terry Gilliam pertenece a la Golden Dawn, ya que durante toda la película, son recurrentes los arquetipos utilizados por los cabalistas o incluso los masones, como lo son el ojo de Horus, la cuadrícula en blanco y negro, el tarot, la figura del iniciado, la figura del maestro espiritual, la mención a las demás escuelas, como la oriental por ejemplo.

Pero lo que más llama la atención es precisamente el mensaje del imaginario, ese mundo creado por cada uno de nosotros en base a nuestro sistema de creencias y al que sólo se puede acceder a través del espejo, ese portal mágico que nos lleva a lo más profundo de nosotros, en donde lo particular se vuelve universal, y es ahí en donde todo comienza y donde todo termina, por ello es que cuando las personas acceden a su imaginario con la ayuda del Doctor Parnassus (el maestro, un iniciado, la figura cística, el hombre en conciencia) se encuentran con el resultado de sus propias creaciones, ya sea disfrutándolas y riendo con ellas, o temiéndolas y enfrentándolas.

También es destacable la incorporación del ego como personaje a través de un enano cuando el Dr. Parnassus lo controla (haciendo la alegoría a la carta del tarot de “El Loco” quien tras de él camina un pequeño perro simbolizando el ego controlado por el hombre) y del diablo cuando se vuelve incontrolable, retándolo y seduciéndolo con sus apuestas (el diablo es la más antigua figura que ha representado al ego).

Estos son sólo algunos de los símbolos y arquetipos utilizados en la película, pero una vez que la vean seguramente encontrarán algunos más de acuerdo a su propia experiencia. De verdad les recomiendo este filme que aún se exhibe en algunas salas.

Sólo me resta decirte que somos creadores, y que estamos creando continuamente, no sólo con nuestras manos, sino con cada movimiento, cada palabra, cada gesto, cada pensamiento…

VII. “Hay que creer para ver”.

México campeón del Mundo… Sudáfrica 2010

Crónicas Cineteras

-Por Dav-Nabinal-

Donde viven los monstruos (Where the wild things are)
Estados Unidos (2009)

Dirección:            Spike Jonze

Guión:                   Spike Jonze, Dave Eggers,

Basada en un libro de: Maurice Sendak

Música:                Karen O

Carter Burwell

Edición:              Eric Zumbrunnen

Reparto:             Max Records

Catherine Keener

Mark Ruffalo

Les mando un pegajoso abrazo mis queridos lectores, y digo pegajoso por este calorcito que está empezando a hacer en guanatos, a muchos no les agrada, pero la verdad es que a mi me encanta: salir en shorts y sandalias a la calle es una gran ventaja si se gusta de usar poca ropa; pero creo que más allá de las prendas lo que regalan estas temperaturas es una deliciosa sensación veraniega, al menos a mí me hace sentir de vacaciones, sólo me falta el olor a mar, pero creo que eso se puede arreglar yendo al mercado del mismo nombre a comer un rico pescao dijeran los costeños.

En fin, les plático esto del verano porque hace unas semanas tuve la oportunidad de asistir a un evento muy original que me hizo sentir totalmente veraniego llamado El club de cine que es promovido desde Monterrey, ya hizo alto en el D.F. y ahora estuvo en nuestra ciudad.

La idea de este rollo es el regresar a ese ambiente de cine original que se daba con los inicios de las proyecciones en un ambiente más relajado y en donde se pueda convivir más; la cita fue en en Larva, y la película fue Where the wild things are de Spike Jonze.

En cuanto me enviaron la invitación en facebook (una revista local que me gusta mucho –después de Extravía claro está-, se llama Entrepiso) me apunté con mi novia para ver el estreno en esta ciudad (ya que en el cine no había llegado) y yo le traía muchas ganas desde hace rato.

Para no hacer el cuento largo, les comento que sólo nos quedamos a la primera parte que fue la presentación de un cortometraje del mismo director (Spike Jonze) que fue muy agradable, pero ya no nos pudimos quedar a la película porque se extendió la hora y teníamos party; lo que sí les digo es que las proyecciones de El club de cine se siguen dando en el Larva por alguna extraña razón (pensé que sólo iba a ser una vez), entonces por si tienen oportunidad no duden en asistir (busquen la info en Internet).

Después de haberme fugado de la proyección en el Larva tuve que esperar semanita y media más para poder ver esta peli en mi cine más cercano y aquí les cuento mis apreciaciones por si gustan ir a verla, o si ya no alcanzan pues mínimo a rentarla cuando se pueda.

Resulta muy interesante que la historia de esta película esté basada en un libro de dibujos de Maurice Sendak, en donde son creados los “monstruos” que después cobrarán vida en este filme.

La película es recomendable tanto para niños como para los adultos que lo acompañen, o incluso acudir sin la compañía de un niño.

La historia transcurre a través de nuestro personaje principal, un niño llamado Max que huye de su hogar tras una discusión con su madre, una vez fuera de casa se adentra en un misterioso mundo en donde descubrirá a estos grandes seres que lo proclamarán su rey, y con los cuales tendrá que lidiar como su dirigente.

Es de llamar la atención el uso de la tecnología en esta película, ya que además de utilizar mecatronics, también se recurrió al uso de la posproducción por computadora y a los disfraces para dar esa verosimilitud en todos los movimientos de estos enormes seres.

En cuanto al manejo narrativo, aunque algunas veces pudiera parecer algo lenta, creo que el manejo de sus estética lo compensa, ya que la selección de los escenarios y la paleta de colores no pudo ser mejor; además se le añade un elemento muy importante que es la musicalización a cargo de Karen O y Carter Burwell que le dan ese toque de folk divertido y aniñado pero sin ser cursi.

En definitiva, si te quieres divertir como un niño, no dudes en ir a ver la más reciente producción de Spike Jonze.

VI. “Para ser feliz, hay que ser como un morro”.

AGUA

Crónicas Cineteras

-Por Dav-Nabinal-

Vals con Bashir (Walz with Bashir)
Israel, Alemania, Francia, Estados Unidos (2008)

Dirección:      Ari Folman
Guión:             Ari Folman
Música:           Max Richter
Edición:           Nili Feller

Después de unas deliciosas vacaciones las Crónicas Cineteras vuelven para hacer sus mejores recomendaciones en el disfrute de la pompa reposada en el sillón frente al televisor o en medio de una multitud en sala de proyección, es decir, el cine, y ya para no “debrayar” más como dicen un buen amigo he de comentarles mis apreciados lectores que ya desde hace un rato quería hacerles la recomendación de lo que para mí es una de las tres mejores películas de guerra que he visto hasta ahora (junto con Apocalypse Now de Coppola y Full Metal Jacket –Cara de Guerra- de Stanley Kubrick). La verdad es que después de ver esta película me terminé de convencer que el cine realizado por computadora puede regalarnos la misma reacción que una película con actores de carne y hueso, yendo más allá de su aparente “inverosimilitud” de la imagen, en palabras de Doña Lupe: “Con todo y de que parezca de caricatura está igual de chida que una de a devis”.

Cuatro años tardaron en terminar este filme, ya que fue realizado en su mayoría con el programa Flash; y precisamente por ello es muy interesante cómo las imágenes nos logran trasmitir esa brutalidad siempre derivada de una guerra sin la necesidad de acudir a una actuación humana, además de que la mezcla de colores y la estética misma de la película son muy bellas, dando ese toque con influencias de cómic.

Lo más destacado es que la película está basada en hechos reales, transportándonos a la operación israelí en suelo libanés con la masacre de Sabra y Chatila de 1982, y en la que, para agregarle ese punto de vista tan real y personal, el propio director fue testigo de esa operación militar cuando se encontraba en las filas del ejército israelí; es por ello que el personaje principal es el propio director quien viaja en búsqueda de sus amigos y ex compañeros de la guerra para recuperar de su memoria algunos hechos que su cerebro aparentemente suprimió del recuerdo, y es así como a lo largo de la película, Folman va recordando cómo es que acontecieron los hechos, en una narrativa que se mezcla con los recuerdos, las experiencias que surgen de ellos y la situación actual de los personajes, toda una travesía hacia el pasado para darle un sentido al presente.

La película japonesa Violines en el cielo (Okuribito), que por cierto recomendé a ustedes fue la que le ganó el Óscar como mejor película extranjera el año pasado, noticia que por cierto me sorprendió, porque desde que me topé con Vals con Bashir estaba seguro de que se llevaría la estatuilla, no lo fue así, pero este filme, sin lugar a dudas, quedará ahí como un clásico y una película de cine de culto; Ari Folman sorprendió al mundo con esta su última creación y sólo basta con darle un vistazo en Internet a los comentarios y al excelente recibimiento que tuvo en la crítica internacional.

Y para despedirme les recuerdo mi top 3 de películas de guerra que hasta ahora he visto:

• Apocalipsis Ahora de Francis Ford Coppola
• Cara de Guerra de Stanley Kubrick
• Vals con Bashir de Ari Folman

Nota: Están en orden cronológico y no de calidad o preferencia, porque las tres me parecen obras maestras.

V. “Hermoso presente. Aquí y Ahora”.

Yo Soy

La Isla Siniestra (Shutter Island)

Estados Unidos (2010)

Dirección:            Martin Scorsese
Guión:                   Laeta Kalogridis (Novela de Dennis Lehane)
Música:                 Robbie Robertson
Fotografía:           Robert Richardson
Reparto:                Leonardo DiCaprio
Mark Ruffalo
Ben Kingsley
Michelle Williams
Patricia Clarkson
Max Von Sydow

La verdad es que aún no me he querido dar una vuelta a ver la de Alicia en el País de las Maravillas, tal vez ha influido el que amigo que encuentro y que ya la vio, amigo que me dice que esta Alicia no tiene el estilo de Tim Burton más que en la dirección de arte, no lo sé, pero en días pasados preferí la más reciente producción de Don Martín, quien indiscutiblemente se ha instalado como uno de los grandes veteranos del séptimo arte y sobre todo del arte del colmillo, porque con tantas experiencias en pantalla, este señor sabe más por viejo que por diablo.

Puedo decir que no esperaba menos de esta peli, ya que para empezar Leonardo DiCaprio me sigue convenciendo de la madurez de su actuación,  muy lejana a sus pininos en Titanic, en donde se los confieso, me parecía patético, pero parece que los años le han sentado bastante bien y no tengo ninguna duda de su talento; además que la dupla Scorsese-DiCaprio nos ha dado mucho de que hablar.

La Isla Siniestra nos sitúa en el año de 1954 en un hospital psiquiátrico ubicado en una lejana isla, en donde son enviados los agentes federales Teddy Daniels y Chuck Aule para encontrar el paradero de la paciente Rachel Solando, quien escapó de la institución médica.

Conforme se va desarrollando la investigación, van ocurriendo misteriosos acontecimientos que como espectadores nos llevarán a un estado cuasi-demensial de percepción, en donde nos identificaremos con la desesperación del protagonista (Teddy Daniels) a tal grado que les puedo asegurar que por más que lo intenten no podrán ser indiferentes a la sugerente tensión que el director nos aporta con el vaivén de la historia, prueba de ello fue el hombre que se sentó a mi izquierda y que no dejaba de mover la pierna durante varios minutos, sólo pude decir “gracias Don Martín, uno que viene a tranquilizarse al cine, y usted que nos pone más ariscos”.

Un elemento indiscutible es la musicalización de Robbie Robertson que logra una composición exacta para otorgarle la fuerza necesaria a la imagen y conseguir esa sensación de extrañeza y locura que por momentos me recordó a El Resplandor de Stlanley Kubrick.

En pocas palabras no se la pierdan y que la ¡¡disfruten!!…

VI. Próximas Vacaciones.

Yo Soy

El Hombre Serio (A Serious Man)

Alemania (2009)
Dirección: Joel & Ethan Coen
Producción: Joel & Ethan Coen
Guión:  Joel & Ethan Coen
Música: Carter Burwell
Fotografía: Roger Deakins
Reparto: Michael Stuhlbarg, Richard Kind, Sari Wagner Lennick

Estas últimas semanas transcurrieron entre la entrega de los Óscares, en la que por cierto llamó la atención el triunfo de Kathryn Bigelow como mejor directora y mejor película por “Zona de Miedo” (The Hurt Locker) dejando sin la estatuilla a James Cameron (su ex esposo por cierto); ¿será casualidad que Bigelow se haya convertido en la primera mujer en la historia en ganar un Óscar justo un día antes de celebrarse el día internacional de la mujer (8 de marzo)?, sólo es pregunta.

En ambientes más de rancho (perdón, locales) el “paladín de la cultura tapatía” Raúl Padilla fue puesto en evidencia por el presidente municipal de Tlajomulco, Enrique Alfaro, en tanto que yo me dediqué a encontrarle el lado gracioso a todo este show, he de confesar mi profunda afición por el humor negro, y tan buena fue mi suerte, que me dieron el gusto de acrecentar mi diversión hace unas semanas en las salas de cine, no cabe duda que los hermanos Coen definitivamente han encontrado el punto más logrado de su propuesta narrativa y su estética visual, estos brodies de ascendencia judía, a quienes gusta encontrarle lo gracioso a las situaciones más difíciles de la vida, así como realizar una burla continua de ellos mismos nos dan mucho de que hablar en cada realización que nos presentan; con su forma de trabajar en perfecta diarquía al estilo Julio César–Pompeyo nos siguen demostrando que dos cabezas son mejor que una, tanto, que se han ganado el apodo del “director bicéfalo” entre los ambientes hollywoodenses.

Su interesante dinámica que se queda en familia, junto con la ya acostumbrada colaboración de su fotógrafo estelar Roger Deakins (quien por cierto con A Serious Man cumplió su décima participación con los Coen) que nunca falla, siempre mostrándonos un interesante juego visual entre colores y  una estética al estilo western, además de una utilización magistral de los diálogos y un humor tan pulido y “limpio” (en sentido narrativo) hacen de A Serious Man, en mi opinión, una película digna de entrar en la estantería de cine de culto, les he de confesar que al salir de la sala mi reacción inmediata fue “sí, ya entró en mi top 5”.

El toque característico de esta película, así como nos han tenido acostumbrados los Coen, es su humor negro, ambientado en un pequeño pueblo gringo (St. Louis Park, Minnesota) en donde Larry Gopnik, un académico local, atraviesa por una penosa situación: su esposa quiere divorciarse de él para irse con otro hombre, quien además quiere “tratar el tema civilizadamente” abrazando en todo momento a nuestro protagonista, un hermano con un ligero autismo.

La trama se desarrolla además con estos personajes: un hijo que fuma marihuana, una hija que se quiere operar la nariz (rasgo distintivo judío), un estudiante que busca sobornarlo, tres rabinos que intentan ubicarlo en el “camino de Yavhé”, el Bar-Mitzvah de su hijo y una provocativa vecina  son los elementos que complementan una extraordinaria historia, en donde he de advertirte: “si eres fan del humor negro, prepara tu estómago, que no dejarás de reírte”.

Cartelera…

• Son los últimos días de Violines en el Cielo (Okuribito) una excelente película japonesa que se llevó el Óscar a la mejor película extranjera en el 2009, ganándole, incluso, a Walz with Bashir que también pintaba para llevarse la estatuilla (y que a mi me encantó, una de las mejores pelis de guerra que he visto). Este film japonés trata sobre un hermoso ritual oriental de preparación de cadáveres. Ya sólo la encontrarán en el Cine del Bosque.
• Sigo recomendando Amor sin escalas (Up In The Air).
• Si quieren algo dominguero y predecible, pero bien fabricado, vayan a ver El Hombre Lobo. 
• No he ido a ver Alicia en el País de las Maravillas, así que aún no puedo opinar. Sólo te recomiendo que la veas en 3D, ya que la película fue hecha para ese formato.
• Puedes ir a ver Avatar aunque sea por octava ocasión; muy buena opción.

V.  ¡Fuerza Chile!

In La´akesh (Yo soy otro Tú)

La vida de los otros (Das Leben der Anderen)

Alemania (2006)
Dirección: Florian Henckel von Donnersmarck
Producción: Quirin Berg, Max Wiedemann
Guión: Florian Henckel von Donnersmarck
Música: Gabriel Yared, Stéphane Moucha
Fotografía: Hagen Bogdanski
Reparto: Ulrich Mühe, Martina Gedeck, Sebastan Koch, Ulrich Tukur

La semana pasada por fin pude ver una película que ya le tenía ganas desde hace algún tiempo, y que incluso ya había rentado pero por premuras no alcancé a ver (sí, regalé mis treinta y tantos pesos a Blockbuster), pero por fortuna pude comprobar que la espera valió la pena y ahora hago justicia a esta peli en esta cuarta Crónica Cinetera después de haberla reducido al olvido; y ya para no echarle más crema a mis tacos (por cierto ya se me antojaron), he de contarles que La vida de los otros fue ganadora del Óscar por mejor película extranjera del 2007,  y nominada a los Globos de Oro.

Esta bella historia nos sitúa en la Alemania Oriental de los años ochenta (el muro de Berlín aún dividía a la nación) cuyo control gubernamental en lo referente al socialismo comunistoide residía en manos de la Stasi o SSI (policía política de la República Democrática Alemana)1, y quien a través de sus agentes encubiertos se encargaba de espiar a los ciudadanos inconformes y críticos del régimen; es esta misma corporación la que le dará el soporte a la historia  al “monitorear” a nuestro protagonista, el dramaturgo y escritor Georg Dreyman, quien en sus principios le es fiel al gobierno y a su política pública, pero después de la pérdida de su amigo Jerska, quien se suicida por no poder escribir más gracias a la censura oficial, comienza a cuestionar el status quo de la nación. Es gracias a este proceso como el propio agente encargado de su espionaje (Wiesler) entrará en un conflicto ético, que lo llevará a comprometer su trabajo y la estructura socio-política de un sistema.

Sin duda, puedo decirte querido(a) lector(a) que este filme es uno de los mejores dramas que he visto en lo que va de mi afición cinetera, al grado tal que se cuela en mi lista de top 5 dramático, muy cerca de Cinema Paradiso, aunque en esencia sean muy distintos.

El manejo de la historia, así como la reproducción tan fiel del ambiente político, social y cultural, sobre todo el poder de la censura y la represión, nos obliga a comprender a los personajes y sus actitudes con una poderosa empatía y universalidad, ya que en todo el mundo hemos tenido ejemplos (aún vivos) de lo que un gobierno dictatorial y represor puede significar para una mente libre y creadora, el dilema de la libertad reprimida por un orden aparentemente “aspirable”.

Una Crónica Cinetera más, muchas gracias y hasta la próxima.

Cartelera…

• Les recomiendo mucho ver Amor sin escalas (Up in the air), sobre todo si les gusta el humor negro al estilo Juno (es el mismo director; Jason Reitman).
• Si quieren algo dominguero y predecible, pero bien fabricado, vayan a ver Invictus de Clint Eastwood
• Sherlock Holmes definitivamente te da más de lo que esperas y te divertirás mucho, vale la pena la entrada.
• Puedes ir a ver Avatar aunque sea por segunda vez; muy buena opción.

IV.  Hombre = Gran Mundo; Mundo = Gran Hombre (As above as below / Como lo es arriba así lo es abajo)…

In La´akesh (Yo soy otro Tú)

1 N.E. algunas fuentes citan que un sexto de la población alemana oriental, estaba enrolada por la policía secreta como informante, colaborador o como vulgarmente se les conoce: soplones. Un amigo, quien viajo por Europa hace un par de años, me contó de una técnica para archivar olores. La secreta te llevaba a un interrogatorio, te hacían sentarte con las manos bajo las piernas y te ponían la clásica luz fortísima. A la media hora estabas sudando. Los amables interrogadores te prestaban un pañuelo, que ellos no tocaban. Después te dejaban salir, con una simpática sonrisa. El fin de todo esto era guardar en un frasco tu pañuelo, lleno de tus olores corporales, que podrían utilizar después, en caso de necesidad, para encontrarte con un doberman amaestrado.

Avatar

Estados Unidos (2009)

Dirección:  James Cameron

Producción: James Cameron, Jon Landau, Rae Sanchini

Guión: James Cameron

Música: James Horner

Fotografía: Mauro Fiore

Reparto: Sam Worthington, Zoe Saldaña, Sigourney Weaver, Stephen Lang, Michelle Rodríguez

Después de unas largas y deliciosas vacaciones, en medio de estos inusuales climas tapatíos, las Crónicas Cineteras regresan en su tercera edición para hablar de un filme que anda de boca en boca en el contexto global; no serán pocos los lectores de esta columna que ya hayan invadido las salas de su cine más cercano (o más lejano si les gusta eso de la paseada) para disfrutar de la más reciente producción del genio-rey midas de la industria cinematográfica: James Cameron, la cual, a casi un mes de su lanzamiento ha recaudado la miserable cantidad de mil quinientos millones de dólares (a trescientos mil dólares de alcanzar  el éxito de taquilla Titanic,  también obra del canadiense Don Camarón).

El poderoso recibimiento del clan Na´avi entre el público mundial es justo y merecido. Más de doce años tardó Cameron en poder llevar la idea original de este filme a las pantallas, debido a que cuando fue concebida en su mente no se contaba con la tecnología necesaria para obtener los resultados que se buscaban, el ejercicio de paciencia durante un poco más de una década definitivamente rindió frutos, ya que Avatar será un parteaguas en las próximas grandes producciones por las implementaciones técnicas que ha aportado a la industria, de entre los cuales destaca su LiveAction (Avance tecnológico mediante el cual el director no tiene que esperar a convertir las imágenes capturadas en cámara en formato 3D, sino que obtiene el resultado inmediato a través de una pantalla), esta es una de las razones por la cual, mis queridos lectores, si ya vieron la película, pero no en formato 3D, lamento decirles que es como si no la hubieran visto, así que mi recomendación es que acudan en cuanto tengan oportunidad para verla en su formato original (la película fue planeada para 3D desde un principio), créanme, es posible verla más de una vez, soy testigo cercano: mi hermano la ha ido a ver cuatro veces!.

Por supuesto tenemos que reconocer el trabajo de fotografía y arte que hay en la película, rigurosamente cuidado hasta el grado de ser casi obsesivo, al menos a mi me logró transportar de manera inmediata a Pandora provocándome una especie de melancolía al terminar la proyección y saber que no soy un habitante Na´avi; pero, para mi gusto, ese no es el principal valor de la película, la historia es verdaderamente impresionante y muy conmovedora; en días pasados platicaba con un amigo cercano quien es guardián de la planta sagrada Ayahuasca (especie de raíz-liana que se da en el amazonas y que mezclada con otras plantas y flores otorga efectos de alteración de la conciencia semejantes al peyote o los hongos y que regularmente se ingiere en ceremonias sagradas) y quien dirige rituales usándola como canal de expansión de la mente, me dijo “que las visiones con esta planta son muy similares al mundo de Pandora y que muchas de las personas que hayan tenido alguna experiencia con la Ayahuasca y hayan visto la película encontrarán muchas relaciones”, esto que dijo mi amigo no hizo más que confirmar lo que sentí mientras veía la película, por momentos imaginaba que era una historia que efectivamente sucedió en algún punto de la galaxia y que por alguna razón, la cual no conozco, tenía que llegar a nosotros para hacernos conscientes de nuestra íntima relación con la naturaleza; creo que por momentos nos parecemos más a los invasores de Pandora1.

Pero en fin, les recomiendo que vean la película, aunque sea una vez más, sólo que desde su corazón y no desde su razón. ¡Abrazos! Feliz 2010, año de la Re-EVOLUCIÓN Mexicana!!!…

III. “Sin YO, no hay TÚ, sin TÚ ni YO no hay un NOSOTROS, ¿ porqué?…. PORQUE YO SOY TÚ, PORQUE TÚ ERES YO, PORQUE YO Y TÚ SOMOS NOSOTROS, PORQUE NOSOTROS SOY YO, PORQUE NOSOTROS ERES TÚ… No soy nada, porque lo soy TODO”…

In La´akesh (Yo soy otro Tú)

1 N.E. es interesante el significado de Pandora, que podría traducirse como: todos los dones, o en la versión de Robert Graves -conocido poeta que publicara Los Mitos Griegos, obra en la que interpreta el significado de ellos-la que da todo. Y para reflexionar, como una diosa que representa los dones, se convierte en una tonta mujer que abre la caja de las maldiciones. Creo que el parecido con el Génesis es evidente.

Lolita (1962)

Lolita

País:  Inglaterra-Estados Unidos (1962)

Dirección:             Stanley Kubrick

Guión: Vladimir Nabokov

Música: Nelson Riddle

Fotografía: Oswald Morris

Reparto: Jaes Mason, Shelley Winters, Sue Lyon, Gary Cockrell

Esta “Segunda Crónica Cinetera” la he hecho a partir de lo que sucedió hace casi dos meses respecto al rodaje de la película basada en la novela del Gabo (García Márquez) “Memorias de mis putas tristes”, que estaba siendo filmada en Puebla y fue interrumpida por una denuncia ante la PGR por  parte de la conocida periodista mexicana Lydia Cacho, así como la Coalición Regional contra el Tráfico de Mujeres y Niñas en América Latina y el Caribe dirigida por Teresa Ulloa.

En una respuesta realmente lamentable, por presiones mediáticas, el gobierno federal dio la orden de interrumpir la filmación “por incitar a la pedofilia”, medida en absoluto ridícula bajo la hipótesis de que el acercarnos al arte como una forma de representación de la realidad o de la ficción nos lleve a actuar de esa forma, pensar en ello, en mi opinión es revivir las épocas de la Inquisición en donde no se creía en la capacidad de las personas para digerir los contenidos; pero como yo si creo en la inteligencia de mis lectores les recomendaré una película que aborda el tema de forma más o menos similar, sólo que en lugar de tratarse de pedofilia con prostitución, se toca a la “pedofilia por afición”; Lolita de Stanley Kubrick, basada en la novela del mismo nombre escrita por Vladimir Nabokov. Un filme que te recomiendo querido lector incorpores a tu biblioteca cerebral.

Humbert es un escritor inglés que viaja a Ramsdale, New Hampsire (EEUU) en el verano, donde alquila un dormitorio en la casa de la familia Haze, compuesta por Charlotte, una viuda en los cuarenta y su hija Lolita de catorce años, las primeras escenas de la película nos darán el principal argumento de su desenlace: el señor Humbert recorre la casa junto a la viuda Charlotte analizando si se quedará para rentar la habitación disponible, cuando es conducido hasta el jardín donde Lolita llama su atención con su alucinante belleza.

Eel manejo de arte al presentar los primeros fotogramas en donde aparece Lolita es impecable, el atuendo elegido para la ocasión provocan en el espectador la misma reacción que la de nuestro protagonista, “empatándonos” con él ante su secreto enamoramiento hacia Lolita, es así como Humbert decide alquilar la recámara de inmediato. Con el paso de los días el escritor inglés se incorpora a la dinámica familiar como elemento faltante, en especial para la madre de Lolita. Una viuda necesitada de un hombre, apareciendo de esta forma una maraña de sentimientos y sensaciones de la tríada compuesta por madre, hija y extraño.

Me parece notable el manejo de Stanley hacia las características psicológicas de Lolita, ya que astutamente nos presenta a un personaje inocente, pero a la vez provocador e inteligente que convierte en su diversión el chantajismo de su madre, el enamoramiento del escritor y su aparente ingenuidad para conseguir lo que quiere.

Como dato importante es mencionar que la película siendo estrenada en 1962 con el auge del cine a color, Stanley Kubrick decidió realizarla en blanco y negro, elemento que le da un toque característico a este filme, creo que de haberla presentado en color el resultado definitivamente no sería magistral.

En suma, no se pierdan Lolita, les aseguro dos horas (casi tres) de muy buen ocio, aunque les recomiendo que en esta semana den preferencia a darse una vuelta por la FIL. Saludos.

II. “La vida es un gran baile y el mundo es un salón”… Café Tacvba

In La´akesh (Yo soy otro Tú)

Santa Sangre

México-Italia (1989)

Dirección:Alejandro Jodorowsky

Guión:Alejandro Jodorowsky

Música: Simon Boswell

Fotografía: Daniele Nannuzzi

Arte: Simon Boswell

Reparto: Axel Jodorowsky (Ahora Cristóbal), Blanca Guerra, Guy Stockwell

Justo ahora comienzo con lo que será una grata experiencia, como espero que para ti lector(a) sea de la misma forma; por tal motivo, estas “Crónicas Cineteras” inician con un agradecimiento hacia arbolrojo Cárdenas quien es el responsable de que nos aventuremos en estas andanzas, y por ello decidí que esta primera crónica asemeje un parto, pero como en todo parto hay sangre involucrada, en el nuestro será Santa la Sangre que nos sumerja en la experiencia de escribir recomendaciones cinéfilas, además de que resulta simbólico que haya conocido al buen arbolrojo en un reciente taller de “Psicomagia y Psicogenealogía” impartido por Cristóbal Jodorowsky, hijo de Alejandro (director de Santa Sangre) y protagonista de la película. Don Alejandro, háganos el honor de cortar el listón rojo y dennos la primera sacudida para maravillarnos como escuincles en el mundo de las pelis. ¡Acción!

Santa Sangre es la obra ideal para quien gusta de encontrar en una película atisbos de inspiración que nos coloquen frente a las puertas del conocimiento interior, no solamente de uno mismo, sino de la compleja dinámica de la mente humana y su eterno proceso de adecuar los elementos exteriores congregados en lo que conocemos como “realidad” a ese mundo tan personal e infinito que habita en cada individuo, específicamente hasta dónde el curso de los acontecimientos externos determinan nuestra forma de percibir el mundo y actuar frente a él, y qué papel desempeña nuestra mente en la creación, repetición y transmutación de esos acontecimientos; en una sola pregunta: ¿La realidad nos construye, o nosotros construimos la realidad?, la respuesta a esta interrogante es justamente lo que la Psicomagia y Psicogenealogía atribuidas a Jodorowsky vendrían a responder y qué mejor que valerse del “Arte para sanar”, como él lo llama, para abordar este planteamiento; es así como la historia de Santa Sangre es el proceso de sanación de un hombre, desde la posesión de una actitud neurótica y alienada hasta la aceptación e incorporación de las sombras o demonios internos que le aquejan para al fin desprenderse de inútiles máscaras y dejarse caer en la inmensidad del YO SOY.

Fénix (Cristóbal Jodorowsky) es un hombre cuya infancia vivió en medio de la vida del espectáculo circense y el fanatismo religioso; entre el trabajo de su padre Orgo (Guy Stockwell) propietario del “Circo del Gringo” y el ferviente fanatismo de su madre Concha (Blanca Guerra), líder de una secta religiosa llamada Santa Sangre, se despliegan las primeras secuencias de imágenes ubicadas en las calles de lo que podría ser cualquier pequeña ciudad en México.

Desde el inicio y durante todo el filme es recurrente la utilización de ambientes sombríos y matices cromáticos opacos que nos dan la impresión de suciedad y decadencia,evocando cierta “corrupción de la realidad” desde las imágenes; en este contexto y con la llegada de una seductora mujer tatuada como nueva integrante del reparto en el circo es como suceden los acontecimientos traumáticos para el protagonista dentro de su núcleo familiar que darán el planteamiento de las secuencias posteriores en donde observamos a un Fénix en etapa adulta recluido en un manicomio o centro de retrasados mentales, dentro del cual veremos un gag muy jodorowskyano, en varias escenas interpretadas por un grupo de “pacientes” con Síndrome de Down quienes socializan con Fénix, cuando nuestro protagonista logra fugarse de la institución mental emprende un viaje para liberarse de la figura de su madre, cuya abrumadora presencia se manifestará al grado de suprimir su individualidad y desdeñar toda relación afectiva, de esta forma el desenlace se convierte en una especie de redención para Fénix, quien decide deshacerse de todos sus fantasmas y recuperar su libertad.

Para quien esté familiarizado con el cine de Alfred Hitchcock, no le resultará coincidecia recordar Pscosis (1960), asimismo,resulta emblemática la manera de abordar los contenidos de la obra de Jodorowsky, y es precisamente esta forma exaltada de presentarlo -él que le ha otorgado a su realización- el título de “cine de culto”; de esta forma podemos distinguir cómo aborda los principales arquetipos psicológicos, como lo son el complejo edípico y su relación con la religión, específicamente con la católica, por ello lector(a) no te resultará extraño el que la relación entre Fénix y su madre encuentren una correlación muy estrecha con Jesús y María, una vez más el incesto llevado a nuestro inconsciente como aspiración recurrente y por supuesto sugerente. También llama la atención cómo se representa la influencia de un ferviente estado religioso y cómo dicho fanatismo puede repercutir en los propios acontecimientos aparentemente “ajenos” a nuestra voluntad (ver niña sin brazos y destino de Concha), esa es la explicación de Don Alex al encontrar casos muy parecidos en la vida “real” como el que algunos hombres fanáticos católicos mueran a los treinta y tres años (edad en la que Jesucristo fue crucificado); nuestra mente es tan poderosa que utiliza un lenguaje simbólico para crear o “recrear” un estado, tanto de la mente como del cuerpo, por lo cual, la manera de proceder para “descodificar” formas neuróticas es hacerlo de la misma manera en que fue codificada, es decir, utilizando un lenguaje simbólico, ya que no basta con hacer conscientes nuestros traumas, obsesiones o neurosis porque estas no fueron adaptadas desde el consciente sino directamente hacia el inconsciente, es aquí como nace la Psicomagia, que no es otra cosa que un “acto teatralizado” que utiliza este lenguaje simbólico para contrarrestar los efectos nocivos de acontecimientos anteriores, de la misma forma la Psicogenealogía nos lleva a entender nuestra dinámica familiar a través del árbol genealógico, hacernos conscientes de los “patrones neuróticos repetitivos” dentro de nuestro “clan familiar”, aceptarlos con amor y transmutarlos con la alquimia del espíritu en formas exaltadas de belleza con nuestra propia existencia.

En definitiva Santa Sangre es un filme ideal para valerse del ocio como mágica llave del portal más hermoso al que podemos acceder: nuestro corazón, imagen y semejanza del cosmos infinito. “Arriba es abajo, abajo es arriba”…

I. “Cuando cambias la forma de ver las cosas, las cosas cambian de forma”.

In La´akesh (Yo soy otro Tú)

Caso real de un acto de Psicomagia extraído del libro con el mismo nombre.

“Una joven de 16 años había perdido la audición y los exámenes médicos practicados no revelaban ninguna lesión. Sus padres nos consultan desesperados sin saber qué hacer por su hija. Asombrados, oímos que el padre es pianista y la madre cantante de ópera. Nos damos cuenta de que su hija había optado por la sordera, al sentirse marginada por la música que sus padres adoran. Se aproximaba el cumpleaños número 17 de su hija, y su familia no sabía qué hacer para esta fecha. Ante la inquietud de los padres, les planteamos un acto: debían acudir a un artesano que les enseñase a fabricar pendientes. Luego, durante 16 días, realizarían dos aros con forma de clave de sol. El día del cumpleaños de su hija (17 días después de comenzar a hacer los aros, que equivalían a los 17 años de vida de la muchacha) debían regalarle los pendientes colocando la madre uno de ellos en la oreja izquierda y el padre otro en la derecha. Así lo hicieron, y su hija recibió feliz y contenta los presentes, y nos vino a visitar portando los aros cual dos talismanes. Lentamente ha ido recuperando la audición. Incluso ha comenzado a comprar discos de música… y los escucha, a veces junto a sus padres.

En este caso vemos la negación de unos padres a que su hija acceda al mundo de la música (reservado sólo para ellos como profesionales). Habían privado a su hija de participar de su deseo e identificarse con la sublimación de los padres: esta prohibición genealógica hizo que su cuerpo respondiera con una sordera. Al aceptar los padres el hecho de que su hija (so)portara la música en sus oídos, ella pudo recobrar la audición”.

N. E. Por cierto, los artículos de Dav-Nábinal, apareceran cada quince días.

JODOROWSKY, Alejandro. “Psicomagia”. Ed. Debolsillo. México, 2006. Pp. 346-347.