El imaginario mundo del Doctor Parnassus

Dirección: Terry Gilliam

Guión: Terry Gilliam, Charles McKeown

Música: Jeff Danna, Mychael Danna

Montaje: Mick Audsley

Reparto: Christopher Plummer, Heath Ledger, Tom Waits, Lily Cole, Andrew Garfield, Johnny Depp, Jude Law, Collin Farrell, Verne Troyer

En estos días pre-mundialistas en donde todo México se pre-ocupa de los posibles resultados de la selección en Sudáfrica, en lugar de ocuparse en generar ese ambiente de confianza que nos haga visualizarnos como auténticos ganadores.

En mi opinión y corta experiencia, los acontecimientos que ocurren en nuestra vida son producto de nuestros propios pensamientos, de esta forma la “realidad” actúa como un espejo de nuestro espíritu, y aquello que nosotros llamamos “realidad”, no es más que la proyección del conjunto de nuestras experiencias previas, por ello es que lo que se observa en un deporte seguido por millones de espectadores en nuestro país como lo es el futbol, es un reflejo del pensamiento de muchos mexicanos; esto es exponencial, y en la medida en la que dichos pensamientos vayan cambiando, estos irán sumándose.

En resumen, los jugadores de la selección mexicana son una extensión de la mente colectiva de nuestro país, si nosotros, desde nuestra mente creemos que nos irá bien, no nos amedrentamos ante selecciones llamadas “potencias” (que se han convertido en potencias por la conjunción del pensamiento colectivo de sus países, así como de gente del resto del mundo que les otorga ese poderío), si cada vez que se cobre un penal, en la mente del espectador que esta a miles de kilómetros del jugador se tiene la convicción de que será gol, las distancias poco importan, estamos conectados a la misma mente colectiva, los partidos no se comienzan ganando con el primer gol, los partidos se empiezan ganando desde la mente (del jugador, del director técnico, y sobre todo, del aficionado que deposita su fe). Hay futbol, hay aficionados que apoyan con el corazón, lo único que falta…. CREERLO.

Después de este rollo futbolero, seguramente se preguntarán qué tendrá que ver mi columna cinetera con el balompié, y la respuesta viene dada por la película que les recomiendo en esta ocasión, que sin lugar a dudas, es una verdadera película iniciática.

Estoy hablando de la más reciente realización de Terry Gilliam, este peculiar director inglés salido del grupo cómico-surrealista Monty Phyton, y quien ha dirigido películas como Brasil y Fear and Loathing in Las Vegas (Pavor y repugnancia en Las Vegas).

El Imaginario del Doctor Parnassus fue conocida previamente a su lanzamiento en salas debido a que quedó truncada a la mitad de su filmación por la inesperada muerte de Heath Ledger, este joven actor quien encarnaba a Tony, uno de los personajes principales de esta historia.

Después de su muerte, en el 2008, Terry Gilliam había tomado la decisión de abandonar el proyecto, pero unos meses más tarde prefirió reevaluar la continuidad narrativa de la historia y adecuarla a la conversión física del personaje principal; y es así como Johnny Depp, Jude Law y Collin Farrell se integran al proyecto e interpretan el mismo papel que Ledger (Tony). De esta forma, una vez terminada la filmación, este trío de actores decide ceder sus ganancias para la hija del actor fallecido.

En cuanto a la historia de este filme, es iniciática por el uso de la simbología universal, pero sobre todo de la escuela iniciática occidental, por ello no me causaría extrañeza enterarme de que Terry Gilliam pertenece a la Golden Dawn, ya que durante toda la película, son recurrentes los arquetipos utilizados por los cabalistas o incluso los masones, como lo son el ojo de Horus, la cuadrícula en blanco y negro, el tarot, la figura del iniciado, la figura del maestro espiritual, la mención a las demás escuelas, como la oriental por ejemplo.

Pero lo que más llama la atención es precisamente el mensaje del imaginario, ese mundo creado por cada uno de nosotros en base a nuestro sistema de creencias y al que sólo se puede acceder a través del espejo, ese portal mágico que nos lleva a lo más profundo de nosotros, en donde lo particular se vuelve universal, y es ahí en donde todo comienza y donde todo termina, por ello es que cuando las personas acceden a su imaginario con la ayuda del Doctor Parnassus (el maestro, un iniciado, la figura cística, el hombre en conciencia) se encuentran con el resultado de sus propias creaciones, ya sea disfrutándolas y riendo con ellas, o temiéndolas y enfrentándolas.

También es destacable la incorporación del ego como personaje a través de un enano cuando el Dr. Parnassus lo controla (haciendo la alegoría a la carta del tarot de “El Loco” quien tras de él camina un pequeño perro simbolizando el ego controlado por el hombre) y del diablo cuando se vuelve incontrolable, retándolo y seduciéndolo con sus apuestas (el diablo es la más antigua figura que ha representado al ego).

Estos son sólo algunos de los símbolos y arquetipos utilizados en la película, pero una vez que la vean seguramente encontrarán algunos más de acuerdo a su propia experiencia. De verdad les recomiendo este filme que aún se exhibe en algunas salas.

Sólo me resta decirte que somos creadores, y que estamos creando continuamente, no sólo con nuestras manos, sino con cada movimiento, cada palabra, cada gesto, cada pensamiento…

VII. “Hay que creer para ver”.

México campeón del Mundo… Sudáfrica 2010

El autor: Dav-Nábinal

Dav-Nábinal es conocido como David, David De Alba, Gori, o simplemente "hermano"... es una persona inquieta...

Crónicas Cineteras

-Por Dav-Nabinal-

Donde viven los monstruos (Where the wild things are)
Estados Unidos (2009)

Dirección:            Spike Jonze

Guión:                   Spike Jonze, Dave Eggers,

Basada en un libro de: Maurice Sendak

Música:                Karen O

Carter Burwell

Edición:              Eric Zumbrunnen

Reparto:             Max Records

Catherine Keener

Mark Ruffalo

Les mando un pegajoso abrazo mis queridos lectores, y digo pegajoso por este calorcito que está empezando a hacer en guanatos, a muchos no les agrada, pero la verdad es que a mi me encanta: salir en shorts y sandalias a la calle es una gran ventaja si se gusta de usar poca ropa; pero creo que más allá de las prendas lo que regalan estas temperaturas es una deliciosa sensación veraniega, al menos a mí me hace sentir de vacaciones, sólo me falta el olor a mar, pero creo que eso se puede arreglar yendo al mercado del mismo nombre a comer un rico pescao dijeran los costeños.

En fin, les plático esto del verano porque hace unas semanas tuve la oportunidad de asistir a un evento muy original que me hizo sentir totalmente veraniego llamado El club de cine que es promovido desde Monterrey, ya hizo alto en el D.F. y ahora estuvo en nuestra ciudad.

La idea de este rollo es el regresar a ese ambiente de cine original que se daba con los inicios de las proyecciones en un ambiente más relajado y en donde se pueda convivir más; la cita fue en en Larva, y la película fue Where the wild things are de Spike Jonze.

En cuanto me enviaron la invitación en facebook (una revista local que me gusta mucho –después de Extravía claro está-, se llama Entrepiso) me apunté con mi novia para ver el estreno en esta ciudad (ya que en el cine no había llegado) y yo le traía muchas ganas desde hace rato.

Para no hacer el cuento largo, les comento que sólo nos quedamos a la primera parte que fue la presentación de un cortometraje del mismo director (Spike Jonze) que fue muy agradable, pero ya no nos pudimos quedar a la película porque se extendió la hora y teníamos party; lo que sí les digo es que las proyecciones de El club de cine se siguen dando en el Larva por alguna extraña razón (pensé que sólo iba a ser una vez), entonces por si tienen oportunidad no duden en asistir (busquen la info en Internet).

Después de haberme fugado de la proyección en el Larva tuve que esperar semanita y media más para poder ver esta peli en mi cine más cercano y aquí les cuento mis apreciaciones por si gustan ir a verla, o si ya no alcanzan pues mínimo a rentarla cuando se pueda.

Resulta muy interesante que la historia de esta película esté basada en un libro de dibujos de Maurice Sendak, en donde son creados los “monstruos” que después cobrarán vida en este filme.

La película es recomendable tanto para niños como para los adultos que lo acompañen, o incluso acudir sin la compañía de un niño.

La historia transcurre a través de nuestro personaje principal, un niño llamado Max que huye de su hogar tras una discusión con su madre, una vez fuera de casa se adentra en un misterioso mundo en donde descubrirá a estos grandes seres que lo proclamarán su rey, y con los cuales tendrá que lidiar como su dirigente.

Es de llamar la atención el uso de la tecnología en esta película, ya que además de utilizar mecatronics, también se recurrió al uso de la posproducción por computadora y a los disfraces para dar esa verosimilitud en todos los movimientos de estos enormes seres.

En cuanto al manejo narrativo, aunque algunas veces pudiera parecer algo lenta, creo que el manejo de sus estética lo compensa, ya que la selección de los escenarios y la paleta de colores no pudo ser mejor; además se le añade un elemento muy importante que es la musicalización a cargo de Karen O y Carter Burwell que le dan ese toque de folk divertido y aniñado pero sin ser cursi.

En definitiva, si te quieres divertir como un niño, no dudes en ir a ver la más reciente producción de Spike Jonze.

VI. “Para ser feliz, hay que ser como un morro”.

AGUA

El autor: Dav-Nábinal

Dav-Nábinal es conocido como David, David De Alba, Gori, o simplemente "hermano"... es una persona inquieta...

Crónicas Cineteras

-Por Dav-Nabinal-

Vals con Bashir (Walz with Bashir)
Israel, Alemania, Francia, Estados Unidos (2008)

Dirección:      Ari Folman
Guión:             Ari Folman
Música:           Max Richter
Edición:           Nili Feller

Después de unas deliciosas vacaciones las Crónicas Cineteras vuelven para hacer sus mejores recomendaciones en el disfrute de la pompa reposada en el sillón frente al televisor o en medio de una multitud en sala de proyección, es decir, el cine, y ya para no “debrayar” más como dicen un buen amigo he de comentarles mis apreciados lectores que ya desde hace un rato quería hacerles la recomendación de lo que para mí es una de las tres mejores películas de guerra que he visto hasta ahora (junto con Apocalypse Now de Coppola y Full Metal Jacket –Cara de Guerra- de Stanley Kubrick). La verdad es que después de ver esta película me terminé de convencer que el cine realizado por computadora puede regalarnos la misma reacción que una película con actores de carne y hueso, yendo más allá de su aparente “inverosimilitud” de la imagen, en palabras de Doña Lupe: “Con todo y de que parezca de caricatura está igual de chida que una de a devis”.

Cuatro años tardaron en terminar este filme, ya que fue realizado en su mayoría con el programa Flash; y precisamente por ello es muy interesante cómo las imágenes nos logran trasmitir esa brutalidad siempre derivada de una guerra sin la necesidad de acudir a una actuación humana, además de que la mezcla de colores y la estética misma de la película son muy bellas, dando ese toque con influencias de cómic.

Lo más destacado es que la película está basada en hechos reales, transportándonos a la operación israelí en suelo libanés con la masacre de Sabra y Chatila de 1982, y en la que, para agregarle ese punto de vista tan real y personal, el propio director fue testigo de esa operación militar cuando se encontraba en las filas del ejército israelí; es por ello que el personaje principal es el propio director quien viaja en búsqueda de sus amigos y ex compañeros de la guerra para recuperar de su memoria algunos hechos que su cerebro aparentemente suprimió del recuerdo, y es así como a lo largo de la película, Folman va recordando cómo es que acontecieron los hechos, en una narrativa que se mezcla con los recuerdos, las experiencias que surgen de ellos y la situación actual de los personajes, toda una travesía hacia el pasado para darle un sentido al presente.

La película japonesa Violines en el cielo (Okuribito), que por cierto recomendé a ustedes fue la que le ganó el Óscar como mejor película extranjera el año pasado, noticia que por cierto me sorprendió, porque desde que me topé con Vals con Bashir estaba seguro de que se llevaría la estatuilla, no lo fue así, pero este filme, sin lugar a dudas, quedará ahí como un clásico y una película de cine de culto; Ari Folman sorprendió al mundo con esta su última creación y sólo basta con darle un vistazo en Internet a los comentarios y al excelente recibimiento que tuvo en la crítica internacional.

Y para despedirme les recuerdo mi top 3 de películas de guerra que hasta ahora he visto:

• Apocalipsis Ahora de Francis Ford Coppola
• Cara de Guerra de Stanley Kubrick
• Vals con Bashir de Ari Folman

Nota: Están en orden cronológico y no de calidad o preferencia, porque las tres me parecen obras maestras.

V. “Hermoso presente. Aquí y Ahora”.

Yo Soy

El autor: Dav-Nábinal

Dav-Nábinal es conocido como David, David De Alba, Gori, o simplemente "hermano"... es una persona inquieta...

Permítanme ilustrar que tan esperada era esta entrega del muy reconocido Mayahuel de plata*… el premio honorario que cada año se entrega a un artista internacional, fue ofrecido a varias celebridades foráneas que de la manera más atenta rechazaron el premio, por lo que el premio fue otorgado durante la inauguración a un muy despistado Matt Dillon, que fue interceptado durante sus vacaciones para entregarle este premio sin darle una oportunidad de decir que no.

Por su puesto, como algunos de ustedes ya saben, el actor -que probablemente recuerden por películas como Crash, alto impacto o Loco por Mary-, olvidó de manera muy deliberada su reconocimiento en la habitación de su hotel. Si este acto fue o no una grosería de su parte es un tema aparte. Sí hubieron, sin embargo, personas mucho más agradecidas por recibir su Mayahuel, personajes como Agnes Varda (documentarista y directora de ficción reconocida inicialmente por su trabajo durante La Nueva Ola francesa de la que ya hemos hablado), quien sonaba muy emocionada por recibir lo que confundió con una palmera plateada.

La organización del festival, como en años anteriores, deja mucho que desear. Sin embargo siendo el vigésimo quinto año de esta entrega “mucho´´ se queda corto. Muchos de los actores que fungieron como presentadores pareciera que es la primera vez que leen un texto frente a alguien, aún cuando sus interpretaciones en los films participantes en el festival te deja pasmado y con las palmas rojas de tanto aplaudir. Y no se a que genio se le ocurre poner tramoya dentro del teatro anfitrión a la apertura y clausura del festival, cuando dicha tramoya impide ver a las personas sentadas en las partes del teatro, lo que ocurre en escena o en las pantallas de esta.

Pero punto y a parte de cómo se presentaron las cosas están las cosas que se presentaron.

Con las cortesías que su humilde servidora recibió por parte de su escuela por ser estudiante de cine pude acudir a dos o tres funciones por día, unas por elección propia, otras impuestas por el boleto -elegido por quien sea que repartió los boletos a los alumnos-. Sin mencionar, además, las funciones gratuitas que se proyectan en diferentes partes de la ciudad.

Tal vez viviendo en otro país diría que “a pesar de que todo lo que vi no era nacional, me gustó mucho´´ pero como todos sabemos en México (por la razón que sea, ese podrá ser tema de conversación para otro artículo) en nuestro país el cine nacional no es el predilecto. Así que diré que, contrario a lo que me ha sucedido en ediciones pasadas del festival, todo lo que vi me gustó, incluyendo todo el cine nacional que tuve al fortuna de ver. Supe de películas que tuvieron pésima crítica, estando en competencia nacional, pero parece ser que los dioses del boletaje me favorecieron mandándome a ver sólo lo bueno de lo que, con suerte, serán las películas mexicanas exhibidas el próximo año.

Entre mis favoritas de este sector les pido que vean: Las buenas hierbas (de María Novaro), y De la infancia (de Carlos Carrera). Debo advertirles, en principio, que si son de esas personas que tienen un prejuicio contra el cine mexicano lo más probable es que no les gusten, por el simple hecho de ser mexicanas, pero eso lo dejo a consideración suya. Además, como pasa con TODAS las películas, el gusto se rompe en géneros y siempre existe la posibilidad de que simplemente no les gusten las películas que a mí, en ese caso lo más probable es que les guste una de las que mencioné y la otra no, ya que entre estás películas existen diferencias enormes de género, ritmo, estilos, etc.

La primera habla de la relación entre una hija y su madre mientras la primera se encarga de la segunda por que aprende que esta tiene principios de alzheimer y decide comenzar a tratarla con las plantas que tanto utilizó su madre durante su vida siendo partidaria de la curación natural.

La segunda trata la violencia intra-familiar en las familias de clase media y baja (en especial baja) mexicanas vista desde el punto de vista de los niños. Esto mezclado con un toque fantástico manifestado por contactos sobrenaturales que tiene uno de los niños y la ávida imaginación de otro de ellos. Estas fueron las mexicanas mejores acabadas que vi, en otras palabras, las mexicanas sin fallas para mí.

Hubieron otras que me agradaron, pero no son las que que agregaría a mi videoteca. La primera, Martín al amanecer, donde me sorprendí al ver que Adal Ramones es creíble en un film serio donde tiene quien le diga que hacer (eso o el director simplemente es muy bueno tratando actores). Además están las co-producciones como Cefalópodo (mexico-española) que siempre da gusto ver.

Los largometrajes de ficción casi siempre van acompañados de cortometrajes, muchas veces mejores que las películas que estas por ver, y que en este año se lucieron. Mi favorito de este año Lupano Leyva, que les urjo a que busquen por cielo mar y tierra para que puedan disfrutar de su ingenioso guión, hermosa fotografía y post-producción llevada al extremo de lo genial.

No puedo hablar del festival sin mencionar los documentales, aunque debo admitir que no vi ni una mínima cantidad de ellos, ya que mis predilecciones me llevaron a las salas de la ficción. Pero me consta, que al igual que las ficciones, se superaron en su mayoría, al año pasado en calidad.

También están las películas extranjeras que uno siempre siente que tiene el PRIVILEGIO de ver, y digo privilegio por que muchas de estas no llegarán, o tardarán años en llegar, a nuestras salas de ver (con las mexicanas es una mezcla de fortuna y divinidad por que lamentablemente muchas de ellas NUNCA llegarán a ser exhibidas para mucho público, si es que vuelven a ser exhibidas).

Esta vez la mayoría de las extranjera que vi fueron españolas, y debo rendir mis respetos la producción de dicho país. Pero debo admitir que la película foránea más de mi gusto fue una que ni es de este año ni estaba en participación de nada. Los niños invisibles (Lisandro Duque), una película colombiana que fue proyectada en la Rambla Cataluña por Andrea Echeverri (vocalista de los Aterciopeldaos) que era la encargada del Hospicio Cabañas durante el festival como parte de su selección para la semana. Esta película del 2001 se ganó mi corazón y de todas las personas presentes en tan fantástica proyección pública.

Como conclusión les recomiendo que busquen algunas de las películas que mencioné, puede que sean de su agrado. Pero además les pido que se tomen algo de tiempo, el próximo año, y atiendan al festival. Les aseguro que no les agradará la organización, les prometo que les desesperará la actitud de cierta parte del público (sigo sorprendida por la gente que va al festival sin saber que hacen ahí), y les creo si me dicen que encontraron otra decena de cosas que les moleste, pero también es muy posible, aunque no 100% seguro, que encuentren una obra que les sorprenda, que vean algo que no esperaban y que, tal vez sólo una vez más después de esa, le den otra oportunidad al cine mexicano o al propio festival.

*Mayahuel de plata. El premio que se entrega en el festival de cien internacional de Guadalajara.

El autor: China Gónzalez

Encaminada desde pequeña por la inconciencia de mis papás al mundo del celuloide, en el cual me perdí al punto de escogerlo como mi realidad y negarlo como fantasía.

Estados Unidos (2010)

Dirección:            Martin Scorsese
Guión:                   Laeta Kalogridis (Novela de Dennis Lehane)
Música:                 Robbie Robertson
Fotografía:           Robert Richardson
Reparto:                Leonardo DiCaprio
Mark Ruffalo
Ben Kingsley
Michelle Williams
Patricia Clarkson
Max Von Sydow

La verdad es que aún no me he querido dar una vuelta a ver la de Alicia en el País de las Maravillas, tal vez ha influido el que amigo que encuentro y que ya la vio, amigo que me dice que esta Alicia no tiene el estilo de Tim Burton más que en la dirección de arte, no lo sé, pero en días pasados preferí la más reciente producción de Don Martín, quien indiscutiblemente se ha instalado como uno de los grandes veteranos del séptimo arte y sobre todo del arte del colmillo, porque con tantas experiencias en pantalla, este señor sabe más por viejo que por diablo.

Puedo decir que no esperaba menos de esta peli, ya que para empezar Leonardo DiCaprio me sigue convenciendo de la madurez de su actuación,  muy lejana a sus pininos en Titanic, en donde se los confieso, me parecía patético, pero parece que los años le han sentado bastante bien y no tengo ninguna duda de su talento; además que la dupla Scorsese-DiCaprio nos ha dado mucho de que hablar.

La Isla Siniestra nos sitúa en el año de 1954 en un hospital psiquiátrico ubicado en una lejana isla, en donde son enviados los agentes federales Teddy Daniels y Chuck Aule para encontrar el paradero de la paciente Rachel Solando, quien escapó de la institución médica.

Conforme se va desarrollando la investigación, van ocurriendo misteriosos acontecimientos que como espectadores nos llevarán a un estado cuasi-demensial de percepción, en donde nos identificaremos con la desesperación del protagonista (Teddy Daniels) a tal grado que les puedo asegurar que por más que lo intenten no podrán ser indiferentes a la sugerente tensión que el director nos aporta con el vaivén de la historia, prueba de ello fue el hombre que se sentó a mi izquierda y que no dejaba de mover la pierna durante varios minutos, sólo pude decir “gracias Don Martín, uno que viene a tranquilizarse al cine, y usted que nos pone más ariscos”.

Un elemento indiscutible es la musicalización de Robbie Robertson que logra una composición exacta para otorgarle la fuerza necesaria a la imagen y conseguir esa sensación de extrañeza y locura que por momentos me recordó a El Resplandor de Stlanley Kubrick.

En pocas palabras no se la pierdan y que la ¡¡disfruten!!…

VI. Próximas Vacaciones.

Yo Soy

El autor: Dav-Nábinal

Dav-Nábinal es conocido como David, David De Alba, Gori, o simplemente "hermano"... es una persona inquieta...

Como entrenar a tu Dragón

Paramount Pictures nos invitó a la premier de prensa para la nueva película del estudio Dreamworks “How to Train your Dragon” (Como Entrenar a tu Dragón) que se estrenará este 26 de Marzo en todo el país.

La Historia

El estudio Dreamworks, nos ha traido a la pantalla grande, títulos como Shrek, Kung Fu Panda y Madagascar. Este año presentan su nueva pelicula de acción-comedia ubicada en el mítico y fantastico mundo nórdico; en donde una tribu de Vikingos que vive en la isla de Berg, lucha constantemente para sobrevivir contra los incesantes ataques de feroces dragones de diferentes tamaños, colores y formas, a los cuales catalogan y bautizan con diferentes nombres, estudian sus comportamientos agresivos y sus debilidades. Han pasado ese conocimiento a su hijos y a los hijos de sus hijos para poder asi combatirlos y evitar que sigan robando sus proviciones, destruir sus casas y eliminar a sus valientes guerreros.

Hiccup (Hipo en inglés) es hijo del más valiente guerrero de Berk y ni su físico ni su destreza con la espada enorgullece a su afamado padre que se dice, aplastó la cabeza de su primer dragón inmediatamente después de haber nacido…

Así que el joven es opacado por la sombra de su padre, y lo envían a trabajar con el herrero del pueblo para surtir de armamento durante los combates. Aunque Hipo quiere ser visto como un hombre. Al matar a su primer dragón, conseguiría el respeto de su padre y de todos en el pueblo, aunque siempre tiene problemas para logarlo por su falta de fuerza.

Al desobedecer a su padre, Hipo, con un artefacto creado por él, dispara unas boleadoras con la esperanza de derribar al misterioso dragón “Furia Nocturna”; una criatura tan extraña y tan rápida que nadie ha visto, y los que lo han hecho, no viven para contarlo.
Hipo hace un tiro al azar y derriba a dicha criatura. Por desgracia nadie ve su hazaña y es ignorado.

"Chimuelo e Hipo"

El joven decide buscar su tan anhelado premio por su cuenta y al toparse con el Furia Nocturna, se percata de que no es un horrible monstruo, ni una criatura demoníaca como decían todas las historias y cuentos que sus antepasados decian de los dragones.

Hipo bautiza a el dragón como “Chimuelo” porque oculta sus dientes hasta el momento de usarlos y poco a poco nace una amistad poco usual en ese mundo.

Al dragón no es como lo pintan

Todos los dragones en esta película tienen una conducta semi-felina. Su comportamiento, forma de moverse, reacciónes y hábitos alimenticios y se ve simpáticos. Probablemente, a los puristas aficionados de dragones no les parezca esto pero habría que ser tolerantes por que es una manera de explicar que no todo hay que darlo por sentado.

Tipos de dragón

Esta hermosa pelicula de CGI (siglas para imágenes generadas por computadora) y en el popular y ya muy choteado sistema 3D, nos muestra que uno no debe juzgar las cosas sólo por que sean diferentes.

¿Que tan diferente es?

La película en si está basada en la novela con el mismo nombre creada por la escritora británica Cressida Cowell; que también ha publicado una serie de títulos para el público infantil desde el 2003 hasta el 2009:

- How to Train Your Dragon (2003) “Como entrenar a tu dragón”
- How to Be a Pirate (2004) “Como ser un pirata”
- How to Speak Dragonese (2005) “Como hablar dragón”
- How to Cheat a Dragon’s Curse (2006) “Como engañar una maldición de dragón”
- How to Twist a Dragon’s Tale (2007) “Como retorcer la cola de un dragón”
- A Hero’s Guide to Deadly Dragons (2008) “Una heróica guía contra peligrosos dragónes”
- How to Ride a Dragon’s Storm (2008) “Como montar una tormenta de dragónes”
- How to Break a Dragon’s Heart (2009) “Como romper el corazón de un dragón”

Cowell también “tradujo” un libro que su personaje dragón “Chimuelo” escribió llamado “Como entrenar a tu Vikingo” (2006)

Portada de novela

Las enormes diferencias entre el libro y la cintaa son notables, como por ejemplo el color de Chimuelo (de verde a negro), la habilidad de Hipo para comprender el idioma dragón y otras cosas más.

Mi consejo es que vean primero la película y si desean leer los libros, lo hagan esperando mucho más.

El audio y lo visual

El dibujo conceptual de este filme corre por la mano experta de Pierre-Olivier Vincent (Spirit, Lo que el agua se llevó, Camino hacia el Dorado) y sus directores Chris Sanders y Dean DeBlois (Lilo y Stitch, Mulán) junto con John Powell musicalizando (Shrek, Happy Feet, Robots, La Era de Hielo) y un presupuesto de $180 millones de dólares, hacen de este film una combinación muy recomendable para llevar a chicos y grandes y ser transportados a esta fantastica tierra que puede ser en 3D. Una excelente película de fórmula que los entretiene de principio a fin.

¡Ay! El doblaje, el “&$/* doblaje…

"Un completo actor de doblaje" puaj... >.<

¿Creian que esta reseña iba a excluír el doblaje de este título? Pues se equivocaron, el doblaje tuvo problemas, como por ejemplo la voz del protagonista, Hipo, es del actor Eleazar Gómez (Atrevete a soñar).

En mi humilde opinión es un horrible problema que se ha estado manejando -extrañamente- en este nuestro país de un tiempo para acá.

Teniendo a excepcionales actores de doblaje -tanto en el ambiente de la actuación normal de novelas, cine y shows- y además hay personas especializados en el ambiente del doblaje desde hace años, ¿Porqué esa extraña razón de agarrar a novatos y darles los papeles protagónicos en los filmes sin ningúna noción de como expresar emoción por medio de la vóz? Hipo parece un palo tieso aún en los momentos más cruciales de la historia.

El director de doblaje no se por que omitió el acento nórdico que se escuchaba en los avances de esta pelicula en inglés. Y finalmente, hay momentos que sientes que se pierde algo en la traducción y no le arreglan para nada al estilo mexicano a diferencia de otros filmes similares de la misma casa productora, por ejemplo Shrek. Esa pelicula estuvo bien doblada, por lo menos las 2 primeras versiones.

Aunque si no les molesta eso, sigue siendo un buen titulo y siempre está la opción de verla en inglés.

En el trailer final -a continuación- la voz de Hipo no es la de Eleazar, quien sabe porqué. Supongo que es por que aún no escogian quien iba a ser el actor definitivo o algo.

Conclusión

Con esta película, Dreamworks gana otro punto para su repertorio, ya que es muy posible que tenga una recepción muy positiva y que se quede en salas por varias semanas, sin duda alguna.

Ficha técnica

Título:    Cómo entrenar a tu dragón (2010)
Dirección: Chris Sanders y Dean DeBlois
Producción: Bonnie Arnold y Roy Lee
Guión: Dean DeBlois, Chris Sanders y Cressida Cowell (historia original)
Música: Michael Weiner, Hans Zimmer (colaboradores) y John Powell

Reparto de voces (en inglés)

Gerard Butler
America Ferrera
Jonah Hill
Plácido Domingo
Christopher Mintz-Plasse
Craig Ferguson

Reparto de voces (español)

Eleazar Gómez

Lo bueno: Esta pelicula entretiene y tiene muy buenos mensajes para la familia, tanto padres como hijos.

Lo malo: Un título más que es azotado por la moda de el 3D aunque no se necesitaba. Tiene un par de escenas que se ve muy bien en este formato más no es indispensable.

Lo feo: el doblaje es descepcionante, algunos personajes carece de simpatía, salvo un par de voces conocidas en otros trabajos. Pero Eleazar Gomez como voz del protagonista es pésimo. No tengo nada en contra de que se aventuren los actores a iniciarse en el difícil arte del doblaje, pero, no los avienten al ruedo sin capote. Mi opinión sería que primero les den papeles secundarios y luego de ahi poco a poco subir.

Lo gacho: “Como Entrenar a tu Dragón” tuvo una interesante pre-campaña en Estados Unidos y en Europa, con la promoción de los libros originales y un asombroso libro de ilustraciónes con el arte conceptual y una pseudo-guía describiendo hábitos de los dragónes a todo color y descripciónes de los personajes de la pelicula.

En primera, no se ve que vaya a llegar con esa promoción a nuestro país (encargar a USA…* sigh*) y segundo, si llegan, no quiero ni saber a que precio saldrán esas ediciónes en librerías.

Sé que sí hay aquí unas ediciónes pero de menor calidad, me refiero son las que saldrán junto con la pelicula.

En fín, disfruten de la pelicula, acomodense en su asiento,  la bebida a un lado  y compartan las palomitas con la(s) persona(s) que lo acompañe(n).

Califíco a esta pelicula con un 8.7, está bonita.

El autor: zamael

La regla No. 43 de los que saben el reglamento es que nunca beba Arenitas estando el enyesado a la luna llena... La regla No. 42 es que nunca de la espalda cuando juega contra ti Street Fighter, puede ser una experiencia... En todo lo demás es normal ¿O no lo es? Me encargo de los videos de Extravia.

¿Cómo explicarme tanto llanto? Y no hablo del llanto en la pantalla sino del mío propio. ¿Cómo justifico que yo no pueda llorar ante la muerte de un ser querido y, en cambio, me deshaga en mocos y sollozos? En realidad no puedo y creo que no quiero hacerlo.

Creo que el cine de antes, el cine de la época de oro tenía algo que no tiene el cine actual: magia.

No solo se trata de que ahora somos más cínicos y que cualquier hijo de vecino habla de encuadres, iluminación, fotografía, tomas e intensidad dramática. Yo vivo en esta época, yo soy un cínico y sin embargo, lloro.

No se trata sólo de que ahora las actuaciones sean mejores porque son más reales y los personajes menos unidimensionales, los diálogos más sencillos y las caracterizaciones más fieles. Todo eso es verdad. Nada de eso importa realmente. Se supondría que ante tales avances técnicos tendríamos que salir de las salas de cine extasiados, o bien, deprimidos hasta el punto del suicidio y no es así.

Es más. La mayoría de esos actores nunca oyeron hablar de apuntadores, prompters o pantallas. Se aprendían sus diálogos y provenían del teatro donde el contacto del público los forjaba y los deshacía.

Existía también el caso contrario: Pedro Infante, Mauricio Garcés y Jorge Negrete no tenían nada que ver con la actuación cuando tuvieron sus primeros protagónicos. Eran personalidades que destacaban por cierto magnetismo personal que les era propio. Ahora tenemos actores producto de un proceso maquilador, de una cadena de producción actoral y nada más, ó acaso ínfulas de actor y ganas de gozar de la fama. Poco más.

Por eso lloro como un niño cuando muere la Abuela de Luis Antonio en “Vuelven los García” porque no solo estoy ante una historia más grande que la vida misma. Personajes que son unidimensionales en el sentido que los Dioses del Olimpo lo son: arquetípicos. Por eso no dejo de llorar cuando escribo estas líneas, estoy ante la verdadera grandeza.

¿Por qué tendría que dejar de llorar?

El autor: De la Sota

Diabético inconsciente, escritor inconstante y burócrata de ocasión.

Alemania (2009)
Dirección: Joel & Ethan Coen
Producción: Joel & Ethan Coen
Guión:  Joel & Ethan Coen
Música: Carter Burwell
Fotografía: Roger Deakins
Reparto: Michael Stuhlbarg, Richard Kind, Sari Wagner Lennick

Estas últimas semanas transcurrieron entre la entrega de los Óscares, en la que por cierto llamó la atención el triunfo de Kathryn Bigelow como mejor directora y mejor película por “Zona de Miedo” (The Hurt Locker) dejando sin la estatuilla a James Cameron (su ex esposo por cierto); ¿será casualidad que Bigelow se haya convertido en la primera mujer en la historia en ganar un Óscar justo un día antes de celebrarse el día internacional de la mujer (8 de marzo)?, sólo es pregunta.

En ambientes más de rancho (perdón, locales) el “paladín de la cultura tapatía” Raúl Padilla fue puesto en evidencia por el presidente municipal de Tlajomulco, Enrique Alfaro, en tanto que yo me dediqué a encontrarle el lado gracioso a todo este show, he de confesar mi profunda afición por el humor negro, y tan buena fue mi suerte, que me dieron el gusto de acrecentar mi diversión hace unas semanas en las salas de cine, no cabe duda que los hermanos Coen definitivamente han encontrado el punto más logrado de su propuesta narrativa y su estética visual, estos brodies de ascendencia judía, a quienes gusta encontrarle lo gracioso a las situaciones más difíciles de la vida, así como realizar una burla continua de ellos mismos nos dan mucho de que hablar en cada realización que nos presentan; con su forma de trabajar en perfecta diarquía al estilo Julio César–Pompeyo nos siguen demostrando que dos cabezas son mejor que una, tanto, que se han ganado el apodo del “director bicéfalo” entre los ambientes hollywoodenses.

Su interesante dinámica que se queda en familia, junto con la ya acostumbrada colaboración de su fotógrafo estelar Roger Deakins (quien por cierto con A Serious Man cumplió su décima participación con los Coen) que nunca falla, siempre mostrándonos un interesante juego visual entre colores y  una estética al estilo western, además de una utilización magistral de los diálogos y un humor tan pulido y “limpio” (en sentido narrativo) hacen de A Serious Man, en mi opinión, una película digna de entrar en la estantería de cine de culto, les he de confesar que al salir de la sala mi reacción inmediata fue “sí, ya entró en mi top 5”.

El toque característico de esta película, así como nos han tenido acostumbrados los Coen, es su humor negro, ambientado en un pequeño pueblo gringo (St. Louis Park, Minnesota) en donde Larry Gopnik, un académico local, atraviesa por una penosa situación: su esposa quiere divorciarse de él para irse con otro hombre, quien además quiere “tratar el tema civilizadamente” abrazando en todo momento a nuestro protagonista, un hermano con un ligero autismo.

La trama se desarrolla además con estos personajes: un hijo que fuma marihuana, una hija que se quiere operar la nariz (rasgo distintivo judío), un estudiante que busca sobornarlo, tres rabinos que intentan ubicarlo en el “camino de Yavhé”, el Bar-Mitzvah de su hijo y una provocativa vecina  son los elementos que complementan una extraordinaria historia, en donde he de advertirte: “si eres fan del humor negro, prepara tu estómago, que no dejarás de reírte”.

Cartelera…

• Son los últimos días de Violines en el Cielo (Okuribito) una excelente película japonesa que se llevó el Óscar a la mejor película extranjera en el 2009, ganándole, incluso, a Walz with Bashir que también pintaba para llevarse la estatuilla (y que a mi me encantó, una de las mejores pelis de guerra que he visto). Este film japonés trata sobre un hermoso ritual oriental de preparación de cadáveres. Ya sólo la encontrarán en el Cine del Bosque.
• Sigo recomendando Amor sin escalas (Up In The Air).
• Si quieren algo dominguero y predecible, pero bien fabricado, vayan a ver El Hombre Lobo. 
• No he ido a ver Alicia en el País de las Maravillas, así que aún no puedo opinar. Sólo te recomiendo que la veas en 3D, ya que la película fue hecha para ese formato.
• Puedes ir a ver Avatar aunque sea por octava ocasión; muy buena opción.

V.  ¡Fuerza Chile!

In La´akesh (Yo soy otro Tú)

El autor: Dav-Nábinal

Dav-Nábinal es conocido como David, David De Alba, Gori, o simplemente "hermano"... es una persona inquieta...

Esto demuestra que el ánime no distingue fronteras.

Es 1942, el grupo ocultista Nazi conocido como “Ahnenerbe” decide invadir Rusia , y necesitan de la ayuda de fuerzas sobrenaturales para asegurar su victoria.

Invocando al espíritu del Barón Von Wolf -un sanguinario guerrero de las cruzadas del siglo XII- y a su ejército de la “Orden de la Sagrada Cruz”, le piden que a cambio de su resurrección, elimine el siguiente “Momento de la Verdad”; un extraño suceso que determina el resultado de un evento, batalla o hasta una guerra.

Los místicos de la SS predicen que este fenómeno se iniciará en el frente de la invasión a Rusia y un soldado será el detonante. Si no muere, inclinará la balanza al lado del ejercito Soviético.

Mientras esto sucede, Nadya, una joven de 14 años que padece de amnesia, es llevada con un grupo de actores para entretener a las tropas estacionadas en la frontera.

Después de una sesión de canciones tradicionales de la zona, el presentador da comienzo el acto de Nadya, que se presume que tiene una habilidad de saber el destino de la gente.

Con ojos vendados, ante los soldados, pide que le pregunten cualquier cosa y empieza a responder acertadamente a cada una.
¿Cuál es mi nombre?, ¿Dónde dejé mi reloj? y ¿Cuándo es mi cumpleaños? Son algunas de las preguntas que la joven responde en estado de trance, hasta que una voz dice con dudoso tono: ¿Cuándo voy a morir? Nadya se retira la venda y cuando abre los ojos, una visión de toda la gente que la rodea le causa estremecerse de miedo. Todos están muertos, Un soldado con el cráneo hecho pedazos, otro bañado en sangre y sin brazos, y todos los demás con aspectos similares, obligan a Nadya retirarse por el horror, justo antes de un ataque aéreo alemán en el que disparan sobre las tropas.

Mientras los cuerpos de los presentes son destrozados por los disparos del avión, la adivina de 14 años es alcanzada por una explosión de un camión, cae al suelo con heridas de metralla en su espalda; pierde el conocimiento y sueña con recuerdos de sus 5 amigos que la acompañaban en una academia militar.

Cuando recobra el conocimiento, parte de sus recuerdos vuelven a ella y se percata que su heridas han sido tratadas y yace en una cabaña junto con un anciano de aspecto extraño que dice conocerla.
El anciano le explica que ella pertenece a un grupo del ejército que se encargaba en desarrollar al súpersoldado, liberando su potencial psíquico; es llamada División 6, y que ella era miembro de “El Primer Escuadrón” y que tras una misión fallida ella había desaparecido hasta ahora.

Nadya es llevada a los cuarteles de la División 6 y se entera que sus camaradas del escuadrón han muerto y ella es la única que puede detener al Barón Von Wolf antes de que modifique el Momento de la Verdad.

Con un extraño aparato, es transportada al mundo de los muertos en donde se reúne a sus fallecidos colegas y así se dirigen donde se encuentra el “Ejercito de la Sagrada Cruz“, para frenar la locura de los alemanes.

El Origen de la Unión

Esta animación es algo diferente ya que es un trabajo en conjunto de tres países, Japón-Rusia-Canadá y es traída por el  estudio 4°C y Molot Entertainment.

La película de casi 80 minutos de duración, está hablada completamente en ruso y tiene integrado un falso documental, “En el Presente“, que con actores reales interpretando a unos veteranos, un historiador y un psicólogo, entre otros, comentan sucesos históricos y los hacen ver como eventos dentro de la trama.

La idea vino con “Nuestra Victoria”

El proyecto se inició en el 2004, cuando el grupo ruso de rap  “Ligalize” pidió que uno de sus videoclips fuera animado.

El video llamado “Nuestra Victoria” (Наша с тобой победа) fué encargado al estudio 4°C y dirigido por Daisuke Nakayama.

El video mostraba situaciones épicas de una Rusia oprimida por Nazis montados en Mechas (término que se usa para decir robots piloteados, muy normal en el ánime) y un grupo de jóvenes rebeldes rusos peleando contra ellos en diferentes escenarios de Moscú.

Al parecer la idea era lo suficientemente buena como para desarrollarlo más a fondo. The First Squad: The Moment of Truth tuvo una lenta producción que les llevó 3 años más para que se concretára. en el 2008 salió el primer teaser de la obra.

Teaser First Squad 2008

Trailer First Squad 2009

No fue sino hasta el 2009 que salió a la luz mostrándose en diferentes festivales de cine:

• 2009-05-13 (Cannes Marché du Film)
• 2009-06-19 (Moscow International Film Festival)
• 2009-08-10 (Locarno Film Festival)
• 2009-10-?? (South Korea, Pusan International Film Festival)
• 2009-10-12 (25th Warsaw Film Festival)
• 2009-10-15 (Russia, Theatrical)
• 2009-10-24 (USA, Fantastic Fest, Austin)
• 2010-01-27 (Italy – Future Film Festival)

Por cierto, también por fechas de su lanzamiento, un manga (cómic japonés) salió para apoyar a la película.
Los dibujos son muy parecidos y el arte es interesante.

Conclusión

Tuve la oportunidad de verla y me parecio original, el hecho de que estuviera hablada en ruso y que me enterara que hay otra versión del título sin el “documental”, solo la animación (recomiendo la del documental, eso le da un extra).

En mi humilde opinión puedo recomendar este título como un género alternativo del ánime y hay que aceptar que este tipo de trabajos en los cuales diferentes países entran en conjunto para crear algo así fuera de Norteamérica, es de aplaudir.

First Squad: The Moment of Truth fue ganador de un premio otorgado por el periódico ruso Kommersant.

Esta es mi reseña y mi calificación:

Lo bueno: animación límpia, bien ambientada y con un audiovisual muy atractivo y diferente.
Lo malo: por su corta duración y compleja trama, a veces se apresura y dejan cabos sueltos.
Lo peor: en nuestro país ni sus luces de que este título salga en algún cine si no es organizado por fans de ánime, de los que por cierto, casi nadie la conoce, lástima… Ojalá una productora la trajera en DVD o Blueray.

El autor: zamael

La regla No. 43 de los que saben el reglamento es que nunca beba Arenitas estando el enyesado a la luna llena... La regla No. 42 es que nunca de la espalda cuando juega contra ti Street Fighter, puede ser una experiencia... En todo lo demás es normal ¿O no lo es? Me encargo de los videos de Extravia.

Muchas personas me dicen que lo que pasa es que en la vida real la gente no se para a cantar y bailar en medio de una escena verdaderamente dramática o importante, sin embargo yo les digo que en la vida real tampoco vemos a gente disparando de un carro a otro en media carretera saliendo completamente ilesas como un acto cotidiano. Lo que sucede es que nos creemos a Neo esquivando balas sin el mayor esfuerzo, por que es parte del universo ficcional que el director a planteado desde el principio de la película, y al momento de llegar la escena donde puede contra quién sabe cuantos agentes él solo, no nos parece poco verosímil.

Entonces ¿porqué hay a quienes les cuesta creer en un universo donde todas las personas en un restaurant conozcan la letra y coreografía de una canción supuestamente improvisada? Y, una pregunta más importante aún ¿por qué a nadie le cuesta trabajo creerse la escena de My best friend’s wedding (La boda de mi mejor amigo) en la que todos cantan “I say a little pray for you´´? (Esto último no tiene nada que ver con el artículo, pero en verdad me lo pregunto).

Bueno, en realidad puedo entender que muchos eviten las películas musicales por sus letras sosas y melodías predecibles, sin embargo creo que en la mayoría de los casos son prontos al juzgar. Verán, el musical es un género lleno de géneros. Existen diversos tipos de musicales, en cuanto a estilo y a tema.

¿A qué me refiero? No en todos los musicales los amantes se ponen a cantar debajo de la lluvia declarándose su amor en el momento menos inapropiado, y hay musicales en donde de verdad existe, de manera verosímil, una razón para cantar.

Creo que si se les diera una pequeña oportunidad algunas personas encontrarían que hay un par de musicales de su agrado en este vasto mundo melodioso. En realidad no espero que después de leer esto corran a buscar todos los que voy a mencionar, pero espero despertar la curiosidad de más de un lector no amante de los musicales y apelar a su lado cinéfilo para darle una segunda oportunidad a una de esas películas donde nadie deja de cantar; además espero esto el sirva a algún amante de este género teatral tan amablemente adoptado por el celuloide para conocer un par de historias nuevas.

Mucha gente no sabe esto, pero una gran cantidad de películas infantiles son consideradas musicales. Simplemente ¿cuántas películas para niños no tienen una inmensa cantidad de canciones para entretener a los jóvenes espectadores? En realidad casi todas las de Disney, en especial sus clásicos: La Sirenita, La Bella y la Bestia, Aladdín, etc. Incluso películas consideradas de culto como The Nightmare Before Christmas (El Extraño Mundo de Jack).

Hay un tipo de musical de lo más extraño, y es en el que los personajes nunca cantan. Una de estas películas es American Grafitti de George Lucas, que es considerada musical (por algunos) por que durante toda la película la música diegética* nunca deja de sonar, más que en un par de momentos sumamente dramáticos.

Existen musicales que no destacan por sus canciones, no por que no sean buenas, si no por que lo más espectacular que tienen es el baile o el show montado alrededor de la pieza. Chicago, por ejemplo, basa la mayoría de sus canciones en un número que saca al espectador de la realidad de la película para llevarlo a un mundo donde todo es un espectáculo de tipo cabaretero. Otro ejemplo es Moulin Rouge (Amor en rojo) que visualmente es tan atractiva, con toda esa genialidad de Baz Luhrman que en momentos no permite distinguir la realidad de la fantasía, que hace que uno pase por obviedad las canciones para preocuparse por los detalles de los colores o el arte de la escena.

Una característica importante de este musical es que todas sus canciones (menos una) son tonadas conocidas por la mayoría de los espectadores, ya que Luhrman decidió juntar piezas famosas de la música moderna popular y armar una historia moderna con ellas, por lo que podemos escuchar canciones de artistas de la talla de David Bowie, Kiss, Elton John, entre otros.

Si existen, sin embargo, películas en las que de verdad los persones nunca dejen de cantar. Estas son las más difíciles de digerir, en especial para el público no adepto a esté genero cinematográfico. Sin embargo me gustaría distinguir dos tipos de musicales dentro de este tipo de musicales:

Uno de ellos es en el que los personajes cantan las palabras de vez en cuando, pero se comunican por acciones en su mayoría hasta que llegan a un punto importante de la historia en donde se lleva a cabo un número musical real con coros, bailes, etc. Como Rent, uno de los tantos musicales del teatro llevados a la pantalla (en este caso en específico creo que funciona mejor en el cine que en el escenario, ya que la narrativa del cine ayuda a que se vuelva más comprensible la acción de la escena a diferencia del teatro donde como todo sucede en un mismo lugar físico hay que dividirlo imaginariamente como espectador mientras sigues la tonada de dos o tres personajes que suponen estar en dos o tres locaciones diferentes en el mismo escenario).

Otro tipo es en el que los personajes cantan o tararean todo lo que piensan, dicen o sienten en una suerte de melodías mezcladas (por lo general cada personaje tiene su melodía por conversación, pero también se da el caso, en especial en escenas importantes, en que compartan la misma melodía) sin llegar jamás a cantar una canción. No hay coros, o espectáculos, solo diferentes tonadas. Este, creo yo, es el musical más difícil de ver. El más conocido es Le parapluie de Cherbourg (Los paraguas de Cherbourgo), que créanlo o no es uno de los grandes clásicos de la Nueva Ola Francesa**.

No voy a desmentir a los escépticos del género que dicen que en estas películas sólo se ponen a cantar sin ningún motivo. Si las hay, y son la mayoría. Sin embargo muchas de estas se han convertido en verdaderos clásicos, tanto como musicales así como películas.

Una de mis favoritas en My fair lady (Mi bella dama) en la que en efecto, los personajes solo deciden empezar una canción cada vez que sienten las ganas de expresar sus emociones y le cantan al aire como si a este le interesara lo que tienen que decir. Sin embargo otro musical que comparte esta característica es uno de los más vistos, e, irónicamente, uno de los más aceptados, incluso por las mismas personas que repudian los musicales: The sound of music (La novicia rebelde), que, en realidad no me disgusta, pero si me parece uno de los musicales más ridículos en canciones y motivos para cantarlas.

No los habré desmentido, pero tampoco les daré la razón. En una película musical existen numerosas razones por las que un personaje se ponga a cantar, y a veces tiene que ver con la logística de la película. Por ejemplo, un personaje puede cambiar su modo de hablar a cantar para contar una historia, como en Man of  la Mancha (El hombre de la Mancha) que cuenta la historia de Don Miguel de Cervantes durante su tiempo en la cárcel. Cervantes le cuenta a los presos la historia que está escribiendo de Don Quijote, y cada vez que les cuenta un relato nuevo del personaje se pone a cantar para dividir una realidad de otra. Una razón distinta puede ser diferenciar tiempo real de pasado, como en A chorus line donde vemos a un grupo de bailarines en una audición, y cada vez que entrevistan a uno sobre su pasado, éste canta su historia.

Una razón aún más valida para cantar es el siguiente tipo de musical, donde las canciones son en realidad canciones dentro de la historia. Esto funciona como en Cabaret, uno de los mayores éxitos de Bob Fosse y además una de esas películas que todo teórico dirá que hay que ver antes de morir. La historia se lleva a cabo en un cabaret, donde hay números musicales que cantan los personajes como parte del espectáculo, solo que estos números suelen coincidir en tema con lo que el personaje esté viviendo en esos momentos.

Hay otros musicales que suelen no desagradar tanto al público en general, por más que estén repletos de canciones, y esto suele ser por el tema. Cuando los musicales tienen un tema oscuro tratado como comedia o de manera cruda el público parece encontrarlos entretenidos y pasa de lado las canciones, ya sea sólo por que la película les gusta mucho o por que la comicidad del tema les ayuda a tomar las canciones como una burla al mismo tema tratado. Las más reconocidas de estas podrían ser Little shop of horrors (La tiendita del horror), donde una planta carnívora comienza a comerse a los conocidos de su dueño, The Rocky horror picture show (El show de terror de Rocky), donde travestis del espacio hacen de las suyas en nuestro planeta, y Sweeney Todd (El barbero demoniaco de la calle fleet), que podría no parecer comedia, pero la manera en la que tratan el asesinato es en verdad más chistoso que otra cosa, en especial por la seriedad (o falta de ella, en realidad) con la que los personajes lo cometen.

El último tipo de musical que me gustaría recomendarles son esos musicales que se burlan de sí mismos por ser musicales. Mamma mia fue llevado a la pantalla con un tono tan ligero que se puede ver en las mismas actuaciones que nadie, ni siquiera los personajes, se están tomando su situación en serio, y llevan esto de una manera risible con una canción, y no sólo eso, si no con una canción del conocido grupo Abba.

Como ve hay musicales de todo tipo para todo público. Los invito a que den una pequeña búsqueda a ver si encuentran cual es el suyo.

*Cuya fuente está en pantalla. Ej.: la radio del auto que conduce el protagonista suena con la canción que el público escucha.
**Nueva Ola Francesa: movimiento cinematográfico francés de los años 60.

N.E. también es altamente recomedable Across the universe, en el que se utiliza la música de los Beattles para realizar los diálogos, e incluso hay una especie de fantasía, en que hubiera pasado si Jimmi Hendrix y Janes Joplin se hubieran conocido y enamorado.

El autor: China Gónzalez

Encaminada desde pequeña por la inconciencia de mis papás al mundo del celuloide, en el cual me perdí al punto de escogerlo como mi realidad y negarlo como fantasía.